「樂隊的夏天」中“專業歌迷”和“超級樂迷”到底在爭論什麼？_風聞

《樂隊的夏天》播出到今天已經第7期，有人説這個節目“出圈”了，的確，它做得很不錯。面對不同的人羣，它在各個角度上都具有一定價值。

對於新一代的，尤其是零零後的聽眾來説，它可以拓寬視野，在人生的早期，建立起音樂上有別於上一輩人的“新印象”，等到他們全部長大，這種印象會在一定程度上影響中國音樂的未來，而對於音樂人羣體來説，它是一個亮相的機會。

最為重要的是，我們經常可以看到“專業樂迷”和“超級樂迷”之間的爭論。

有人反對前者，有人反對後者，爭來爭去，沒有一個標準答案，有的人可能會想，這個標準答案到底是什麼。恰好，這個問題是這個節目的另一大價值。

討論一個問題，“語境”很重要，如果雙方語境不同，那麼這個問題的討論結果多少會劍走偏鋒，例如，數學家在討論數學問題的時候，他們所使用的，首先是“數學的語言”，好比方程式，而沒有深入學習過數學的人，是無法進行這樣的討論的，因為數學是“純粹的理性”。但音樂不-樣，它通常會讓人進入到“感性層面”。

簡單來説，音樂中的“感性”是因為人的“聯覺" ，當人的“聯覺"被激活，就會產生各式各樣的情感。

好比對於許多90後的人來説，當他們聽到周杰倫，中學時代的場景便歷歷在目，記憶中關於那個部分的所有細節都湧現出來。

高曉松説，音樂是最有粘粘性的，這句話沒錯。但人和人的聯覺是不一樣的，我們每個人聽到同一段音樂，都會有不同的感覺，有的人會想起某些場景，有的人會想起某些人物，有的人甚至能看到顏色。

的確，**“聯覺” 的存在，是人類對於音樂的情感反應，**但很可惜，在這個層面上面討論音樂，並不能得出一個有用的結論，因為討論來討論去，它背後所暗示的實質，無非就是每個人曾經經歷了什麼，無非是表達個人情感，情感有千萬種，這就導致我們在談論音樂的時候，實際上在談論不同的情感而已。

這種情感除了音樂之外，還能被許多事件所激發，好比某種食物，或是一段文字。

可是當人的聯覺和情感對應起來的時候，它實際上會侷限住我們對於不同音樂的接受度，換句話説，“聯覺” 是一種習慣，相對於新的事物，我們更容易在熟悉的事物裏感到“安全”。

這種對於熟悉事物的接受度，同樣體現在為什麼許多人更能接受“流行歌”，因為這些歌，似曾相識，它能滿足人們對於音樂中接下來會發生什麼的“預期”。

當然了，因為音樂而激發出的個人情感，並非不重要，它當然很重要，但它重要的同時，也會讓人很難接受新的東西。但恰巧，藝術的價值之一，便是創新。我們如今聽到的讓我們“習慣”的音樂，在歷史的某個節點中，也是因為創新。

**有句話叫“理解創作者”的意圖，人們通常會從感情上去理解他，但音樂，是有“理性”的。**只有理解了這一層“理性”的概念，我們才能明白，同樣一種感情有諸 多表達形式，可是他為什麼選了這一種?

很多人欣賞一首歌，停留在“是否悦耳”，看到一幅畫，停留在“是否好看”的層面上，這沒有錯，但這些都只是習慣，是人的**“淺層感官”**。

只有先突破這一層，我們才能夠更深入地理解它的原理，只有先理解了它的原理，我們才能“光明正大”的説自己“理解音樂”，在這之外的，更多隻是“個人情感因素”。這兩者都沒有問題，但更多的人，被個人情感所侷限了。

音樂本身自帶“理性”和“感性”的雙重功能，會很容易混淆我們談論音樂的語境。

打個比方，一個音樂人寫了一段音樂，他拿給別人去聽，然後別人説:

“我覺得你這個聽起來好奇怪啊，我不是很喜歡這個，我也不明白你要幹什麼”。

更堪憂的是，這個聽眾可能會因為這種感覺而在心裏悄悄地嘀咕:

“這就是音樂人嗎?這就是他們做出來的音樂嗎?這是什麼玩意兒?”

接着，音樂人跟他解釋:

“你看啊 ，我這個地方用了一個Upper Structures Voicing,然後在上面彈了一個減七和絃連續小三度上行，你明白我的意思了嗎?”

聽眾:

“???????”

*“這裏説的Upper Structures Voicing是爵士樂當中構建Alt和絃的一種方式， 它的定義就是在三全音上面加三和絃，例如C7和絃，構成音是C、E、G、Bb, 我們拿出它的三全音,也就是三音E和降七音Bb，然後在上面加一個和絃根音.上方大六度的大三和絃，也就是A和絃，構成音AC# E，其中的A和C#分別是C7和絃的十三音和降九音，所以這就構成了一個屬十三降九和絃，也有人直接寫成C7b9。Upper Structures可以簡寫成“US”，例如上面這個例子中，構成US的三和絃是VI,所以這個和絃可以直用“US VI"”來表示。UpperStructures Voicing一共有九種，這是其中一種。剩下的八種，每一個都可以構成一個Alt和絃，它們囊括屬七和絃上所有的變化音。”

 “連續的減和絃小三度上行，例如我們在Galt和絃上彈一 個B減七和絃，構成音是B、D、F、Ab，這實際上是一個省略了根音G的屬七降九和絃。而減七和絃在連續小三度的變化中，和絃音是不會變的，這本身是減七和絃的對稱結構。所以無論怎麼彈，它們都是屬七降九和絃的構成音。而且這些音同樣來自於減音階，在alt和絃，上用減音階是很常用的做法。”

音樂人和聽眾之間的鴻溝就這麼產生了，“語境” 的不同，在這裏得到很好的體現。

4分33秒

再比方説，有些音樂人，他們會摒棄掉傳統的寫作方式，用各種各樣的方式去實驗，去尋找新的聲音，嘗試各式各樣的新方法，甚至於《4分33秒》的作者，John Cage根據《易經》當中的卦象，來隨機產生音符等等。(當然， 他這是一種嘗試，並且極有可能誤解了《易經》的概念。)

或者坂本龍一，他用提琴摩擦鑔片的邊緣，製造出新的音效。而無論他們用什麼樣的方法，他們實際上都是在做一系列的“音樂試驗”，這些試驗結果，可能不錯，也可能會被丟棄，重要的是，這個探索的過程，是“求新”， 是為了給將來的音樂尋找不同的表達方式。

**這個過程，體現的是“ 藝術的價值”，是突破。**而一般人聽到這樣的音樂時，他們會覺得“沒有共鳴”，“不好聽” ，“不悦耳” 。

首先，藝術家們的實驗行為，並不是為了讓人產生“共鳴”，其次，“悦耳” 這個概念，是一種習慣。

印度人聽到印度音樂，覺得那是“對”的，我們聽到印度音樂，覺得那是“滑稽”的。印度人習慣那種音樂，我們不習慣，我們可能更可能習慣中國傳統的五聲音階，許多能火起來的“民謠”，大多用的是五聲音階。

這個習慣，是一種社會的文化現象，它體現的是一個社會對於藝術的平均認知水準，但它不是音樂的本質，不是藝術的本質。

**藝術可以包含當今文化，但它也一定超前於當今文化。**藝術的概念比大眾的平均認知水準要深遠得多。

音樂的功能有很多種，有的音樂是先鋒音樂，有的音樂，它的目的就是為了讓人覺得“悦耳”，有的音樂是為了襯托別的藝術形式，例如電影配樂，甚至有的音樂可以沒有任何意義，它可能只是作曲家為了“好玩” 而已。

我們可以隨便選幾個和絃，隨機連接，做好一個Voice Leading,一樣可以。而在這些音樂的背後，有的具有功能性，有的是非功能性。

這些不同的音樂，可能脱胎於歷史長河中藝術家對於過往藝術形式的重新表達，例如新樂府對民間戲曲和電子以及爵士樂所作的融合，有的音樂，可能只是純粹的藝術實驗，若不能理解這些邏輯，也就難以進入真正談論音樂，談論藝術的“語境”。

“審美”這個詞，實際上是人類意識形態的呈現方式之一，意識形態的改變，會讓審美也產生變化。

當人的知識以及意識真正進入到一個更深的層面時，我們在聽到一首不符合我們習慣的音樂時，我們不會再簡單用“太吵了”，“很奇怪”，“我不喜歡’這樣蒼白的語言去描述它，

我們可能會有一個更中肯的評價:“我個人不喜歡，但是我完全理解他為什麼這麼做。”

音樂、藝術對於我們來説，是一片很深很廣闊的海洋，很多時候，我們只是在海灘上徘徊而已。要想理解海洋，我們必須去探索，我們必須去探索和學習海洋。這個道理,不僅可以針對聽眾，同樣可以針對音樂人自己。

做音樂，我們要知道我們到底在做什麼，我們不能像某些“MP3音樂家”一樣，在音樂的本質周圍旋轉，總用一些模糊的、泛性的語言去解釋它，我們要把這個問題微觀化，要能夠做到精確表達。

大部分的聽眾，太固執於自己情感上的主觀性體驗，似乎所有的音樂，一定要落到**“個人共鳴”**的層面上。

首先，“個人共鳴” 並沒有什麼問題，但它不是全部，它只是很小的-部分,在這個“個人共鳴”之外，音樂所能承載的，還有很多，若不能理解這一點，“個人共鳴”僅僅體現一個人的“淺層感官”，若能夠理解這一點，它會拓展為“藝術修養”。

巴赫曾經寫下《十二平均律鋼琴曲集》，其中的第一首《C大調前奏曲》非常著名，很多人聽到這一首曲子，都會被激發起許多“聯覺”上的感官，甚至能聯想到湖水、木屋，甚至具體到一隻什麼樣的貓，躺在什麼樣的地板上，窗外是什麼樣的陽光。

的確，人們會因此而喜歡上這首曲子。而歷史的真相是，巴赫寫這些曲子僅僅是因為他的妻子想學琴，所以他寫了一本教材。

我們對於曲子本身的情感反應，沒有問題。但區別在於，我們在有情感反應的時候，是否能夠理解它的原理?大眾可能會覺得，他們又不是專業學音樂的，他們怎麼能夠理解呢?

但是很可惜，理解這世界上的音樂以及任何藝術形式，的確需要一些專 業知識。否則，我們談論的東西，會稍顯狹隘，且無法進入深層的音樂“語境”中去，這是一個很遺憾的事實。

所以有句話説的好，聽眾需要被教育。我們只有去學習藝術，才能理解藝術。

這麼一來，《樂隊的夏天》 裏，那些“專業樂迷”和“超級樂迷”中的衝突，也就能夠説得通了。