對話式創作，陪伴式打歌，男團的全新打開方式？_風聞

作者|葉春池

編輯|李春暉

一個不可逆的事實是：偶像音樂已經成為音樂市場不可忽視的力量。你可能沒聽過他們的歌，但他們的名字早已牢牢佔據各大音樂排行榜，尤其是數字專輯銷售榜，瘋狂向路人輸出存在感。

偶像音樂和抖音神曲，似乎各據我們時代音樂的兩端。不少人覺得抖音神曲俗，但人人都能哼上兩句，永遠雄踞KTV的點歌榜；粉絲都覺得自家偶像的音樂“高級”，但別説路人沒聽過，粉絲能順順當當全唱下來的也不多。

難出圈的偶像音樂，問題究竟出在哪裏？

在宣發渠道上，偶像音樂有自己精美的唱跳mv，很少去捆綁短視頻“搭售”，你真想用可能還存在版權問題。

在音樂內容上，主流聽眾的音樂偏好其實並不難猜，看看各大聽歌（不是數專售賣）排行榜、KTV熱唱榜就知道了。情感共鳴+朗朗上口，就能抓住大眾的心。

但年輕的音樂偶像怎麼可以沒有“高級感”，怎麼能唱“口水歌”？有很長一段時間，偶像歌手都在追求歐美最尖端的流行，具體那些術語硬糖君也記不住，反正就是英文歌比中文歌還多。

問題似乎很清晰了，但又在矛盾循環裏極難解。驚喜地是，從2019年的各大音樂排行榜看，偶像音樂竟漸有破圈之勢。而全新的破題思路，正在2020年上演。

孤獨的人是可恥的

創作要搞“對話式”

經過粉絲經濟從勃發到成熟，不完善的產業機制帶來的弊端也逐漸顯現。不説復興華語樂壇這種大夢想吧，好歹咱是個歌手，得有大眾知道的作品吧？歌手和經紀公司也越來越意識到，飯圈內的自嗨始終不是長久之計，音樂性才是偶像音樂的根本。

硬糖君當然不是説讓偶像歌手去唱“口水歌”，現在年輕人的音樂品味也沒那麼差。還是那句話，“情感共鳴”。不管是寫公號、拍電影還是做音樂，共情和共鳴都同樣重要。年輕人喜歡的音樂不僅風格更加多元和前衞，表達態度同樣重要。

所以，才有吳亦凡憑藉《大碗寬面》在調侃自嘲間出圈，扭轉口碑還打動不少路人，這是順勢借勢；

少年初長成的王源，在音樂綜藝中創作一首《世界上沒有真正的感同身受》，稚嫩但夠“剛”的態度立住了原創音樂人的人設，這是主動的態度輸出；

而到R1SE的二專《炸裂狂想曲》，則將這種“情感共鳴”在方法論上繼續向前推進一步——與其揣測大眾high點在哪，不如一開始就嘗試探索“共同創作”。

通常來説，創作往往是孤獨的，要靠聽歌的人在歌曲中找自己的故事來得到共鳴。現在很多歌曲很難讓聽眾得到共鳴，也是因為主題過於雷同。

而如何表達年輕人的態度，如何讓年輕人和音樂產生共鳴，《炸裂狂想曲》首創了一個點子：音創模式。

在團綜《十一少年的秋天》裏，R1SE通過與不同領域的同齡人對話，每週解鎖一首全新單曲。這就讓看綜藝的觀眾也欣賞到了每首歌的幕後故事，再聽歌時彷彿親歷了一遍創作過程。此時，音樂不再只是旋律和歌詞的組合，而有故事和情感的加成，自然讓聽歌的人更加動容。

節目中，R1SE的成員們對話了6個年輕人關注的領域：有傳統經典、同時越來越時尚流行的戲曲；也有充滿年輕荷爾蒙的BMX極限運動；從牽一髮動全身、落子無悔的深奧棋局；到年輕人彰顯自我的cosplay；既曾擁抱廣闊、豐富的大自然深處；也在真實大火中直面恐懼。

當偶像文化與不同圈層文化碰撞，產生了各種奇妙的化學反應。**這不就是老一輩文藝圈最愛説的“體驗生活”嗎？**對於年紀輕輕就做了偶像，和現實生活頗有一點隔膜的這些年輕人，真的很必要啊！現在好多編劇、導演、演員的作品不行，不也是因為不接地氣嗎。

這種跨圈體驗，也確實被R1SE注入到自己的作品中。《角兒無大小》這首歌，就是R1SE與京劇的碰撞成果。R1SE與相聲演員郭麒麟、陶陽一起感受戲曲魅力。“台上一分鐘，台下十年功”，戲曲舞台比偶像舞台更加殘酷。無論角色大小，都要日復一日練習才能達到舞台的標準。

經過殘酷比賽出道的R1SE，更能體會這種在台下不斷練習，渴望舞台的心情。所以當他們唱出“舞台角兒無大小，沒有絕對的主角”，不僅唱出了自己，也唱出了年輕人的態度：舞台沒有大小，做自己才最重要。

其他像感受到極限運動後唱出的《瘋子》，感受完Cosplay唱出的《星星泡飯》，都是R1SE體驗不同的同齡人生活後的真實感受。這種圈層碰撞後產生的作品，不再只是歌手和製作人的單向輸出，更是和年輕人對話之後的雙向反饋，真情實感才最打動人心。

跨界探索，就要腦洞大開

提起偶像音樂，韓流對中國乃至全世界影響至深。Kpop對整個偶像產業有奠基之功，韓式舞曲風也成了偶像音樂的首選。

前些年國內偶像產業還不甚發達的時候，不少偶像歌手更是都要去韓國進修，回來製作一首“韓式快歌”，洋氣得很。

而隨着內娛迅速發展，先後誕生了NPC、火箭少女101、R1SE等偶像團體，一味重複某種曲風已很難滿足年輕歌迷越來越多元的喜好。在歌曲中加入更多音樂元素，成了偶像音樂的共同探索方向。

​以R1SE為例，第一張專輯《就要擲地有聲的炸裂》就與古典鋼琴演奏家張浩天合作，加入了古典鋼琴的元素，讓聽慣韓式舞曲的歌迷耳目一新。二專《炸裂狂想曲》中，R1SE更是展開全方位腦洞大開的跨界，不僅每首歌都是不同曲風，還更加註重與本土音樂的結合。

《角兒無大小》在國風hiphop中融入了京劇元素，編曲中不僅有傳統京劇樂器的採樣，還加入了新潮的電子音樂；《瘋子》是R1SE成員參與詞曲創作的搖滾説唱，加入了朋克和funk等激烈搖滾因素；《Never Surrender》在混合的流行曲風中加入了不少科幻元素，帶大家走向未來世界，也是相當緊跟潮流了。

硬糖君特別想提醒看官們留意的是《聲聲不息》，將本土民樂和流行音樂結合，讓人想起了電影《閃光少女》。在這首歌中，採用了大量的侗族音樂元素，民族樂器蘆笙、侗族琵琶等的佔比達到了常規舞曲類配器的一半，完全打破了男團的舞曲套路。

除了加入了不少本土元素，《炸裂狂想曲》也不再如此前偶像歌手一味追求日韓歐美大牌音樂人的“逼格”，轉由多位年輕有才華的國內音樂人與R1SE一起完成創作，真是從頭到尾打破了大眾對偶像音樂的既定印象。

其實，從音樂綜藝的爆款走向來看，從hip hop到電音，從搖滾到美聲，大眾對多元音樂風格的需求度和接受度都是很強的。哪怕是抖音神曲，南《芒種》北《野狼DISCO》,都呈現出更鮮明的風格特徵——人們想聽點新鮮的。

偶像音樂想要出圈，歌詞上要有可共鳴的情感表達，曲風上則不妨嘗試新鮮風格。用耳目一新的形式與旋律，唱出內心深處的吶喊或低語，哪個粉絲不誇哥哥“高級”，哪個路人不想駐足傾聽？

宣發再迭代，陪伴式打歌

硬糖君曾多次討論過，雖然這兩年國內偶像產業發展得如火如荼，但除了偶像數量野蠻生長之外，很多偶像產業的配套設施還沒有完善，比如打歌。

在經歷了幾輪打歌節目的失敗之後，國內偶像的打歌還存在於粉絲之間的為愛發電和跨年晚會的驚鴻一瞥。與日韓完善的打歌配置相比，我們的愛豆確實不佔優勢，也別怪路人都説沒聽過。

怎麼才能向更多的人傳播新歌？數專銷售模式不宜撼動，而且音樂流媒體在今天本來也不是音樂的最佳傳播方式，視頻流媒體才是。音綜、影視、短視頻，共同組成音樂傳播三大天王。而R1SE這次的團綜則更進一步：在綜藝節目裏做歌+打歌，全新的“陪伴式”打歌模式正待市場驗證。

首先，在看綜藝的時候，觀眾們已經提前感受到一波前置宣發。歌曲的理念、歌曲的故事，都不再只是簡介裏乾巴巴的文字。觀眾看節目的同時有很強的參與感，和歌手、歌曲產生更深的情感羈絆。這就不是隨便聽聽的音樂，更像是在聽年輕人自身參與的故事。

此外，專輯的多元風格和情感表達，也拓寬了受眾的邊界。擺脱情情愛愛和觸不可及的夢想，炸裂的態度本身就是一種情感上的陪伴。

歌曲情感上的強共鳴，甚至還引發了大家的二次創作慾望。在B站上，圍繞R1SE的新專輯產生了大量二創內容。《瘋子》就被許多喜歡極限運動的年輕人拿去做BGM，同時成了不少青春電影CUT的配樂；科幻風格的《Never Surrender》則被配上了漫威宇宙、人工智能等科幻色彩的內容，相得益彰。

《星星泡飯》更是引發了coser圈層和粉絲羣體的共鳴。一羣熱愛舞台的發光少年與特立獨行的coser相遇，給了不少up主炸裂的靈感。而這些二次創作，本身就是讓歌曲出圈的最佳打歌方式。

有趣得是，硬糖君還發現，不僅是R1SE的粉絲，其他愛豆的粉絲也會引用《炸裂狂想曲》中的歌詞來寫應援文案。偶像音樂本來就不應該是特定粉絲的自嗨，能影響更多年輕人的音樂，才是真正的偶像音樂。

偶像音樂想要真正“出圈”，想要完全被主流人羣、專業人士認可，或許還需要一定時間。仔細想想，當年周杰倫也被父母輩説唱歌大舌頭啊。

但我們可以期待的是，偶像音樂已經在向真實的情感共鳴、多元而靠攏大眾的音樂性、更深的宣發觸達方向努力。偶像音樂多爭爭氣，粉絲也就更能挺直腰桿做應援了。