湖南台這個王牌節目，真是自砸招牌_風聞

本文轉自公眾號：烏潮電影

《歌手·當打之年》昨晚總決賽了。

但很多人可能依舊説不上參賽選手都是誰，頂多知道有華晨宇或周深。

相較於往屆或多或少會邀請幾位老牌實力唱將，這一季在選角上進行了調整：參賽選手都是新生代頂流，平均年齡也就30出頭。另一邊，評審團也開始“年輕化”，年齡都在50歲以下。

不過，這番為迎合年輕觀眾而做出的嘗試似乎並不怎麼成功。

豆瓣上，《歌手·當打之年》的評分從開始的6.3分降到了5.7分，歷年最低；朋友圈裏，也很少像往年一樣，滿屏都是“神級現場”；如果刷微博，你看到更多的還是粉絲們的控評。

有人感嘆，辦了八年，《歌手》不再是同類節目中的標杆了。

相比之下，我還是更懷念上一季與眾不同卻又原汁原味的《歌手》。

歌手前幾季，從炫技到多元化

很多人最早知道《歌手》這檔節目，大概率是通過朋友圈或微博裏朋友們轉發的“神仙打架”的演唱視頻。

比如鄧紫棋，在唱到《泡沫》的副歌部分時仍始終保持着C5的音調，而她當時不過才23歲。

此前並不太出名的黃綺珊，憑藉着《回來》中飆了兩分鐘的高音，折服了場內外觀眾。

在《歌手》剛開播的那幾年，常常是台上歌手花式炫技，台下觀眾奮力配合。

類似的，還有《中國好聲音》：選手飆起高音，導師才會集體轉身，而如果全場都沒有炫技，那唱得再好也是沒人選。

在這個局面下，炫技和誇張一度成了“唱功好”的標誌。

“高門檻”也使得《歌手》比起其他音樂綜藝，更具炫技色彩，畢竟歌手們的專業素養都擺在那裏了，其他節目想炫也沒那個實力

但《歌手》自身卻在積極打破這一“唱功魔咒”。

第三季的李健就是《歌手 》不斷進化的標誌。

通過李健，大家意識到：風格輕盈、歌詞剋制的《貝加爾湖畔》原來也有一種隱約而温柔的朦朧美；不飆高音，也能與觀眾建立心靈上的默契。

李健曾表示：名次很快就會被人們忘記，因為時間過後，留下的是作品

有人評價，如果李健出現在了前兩季，可能好評並不見得會多，因為當時的觀眾還沒有經歷前兩季的音樂薰陶，也許欣賞不來他的風格[1]。

但第三季就不同了，具備一定審美的觀眾可以聽懂李健，而反過來，李健又能給觀眾帶來新的認知。

可以説，每一季其實都是在之前的基礎上被賦予了新的使命，以此來接力傳達《歌手》的理念。

歌手第七季，感受音樂本身

歌手就是在這種不斷精進中，到了上一季——第七季：在延續《歌手》以往水準和理念的情況下，做了更多的突破。

高音可以輕鬆到F5的齊豫，在沒有伴舞和互動的舞台上用空靈的嗓音吟唱着《飛鳥與魚》，讓人發現，唱情歌也大可不必歇斯底里或者極致哀怨；

聲線極具辨識性的吳青峯，沒有演唱與主流審美更加貼合的《小情歌》，而是選擇了初聽並不太吸睛的《燕窩》，一如他在這首歌裏反覆的“I don’t care”；

在《燕窩》裏，吳青峯用燕子築巢的比喻表達了自己對創作的看法

還有七季以來咖位最大的劉歡，改編了武俠金曲《滄海一聲笑》，比起此前GAI極能調動現場氣氛的豪邁演繹，劉歡的表達顯得雲淡風輕，但也恰有一種“我自己已是江湖本身”的從容感。

如此耳目一新的風格，要歸於選角標準的改變：往季多是扎堆的現場型歌手，第七季請來的卻多為極具原創能力的唱片型歌手。

現場更加考驗感染力與聽覺刺激，唱片則更傾向於回味性與深層次的表達。

齊豫與三毛、潘越雲合作專輯《回聲》時的合影，後來《回聲》被列入《台灣流行音樂百張最佳專輯》

第七季的定位，也更注重展現歌手的才華、個性，以及他們演繹的作品本身[2]。

《飛鳥與魚》排名並不高，但許多人都記住了那句“海天一色，地獄天堂，暮鼓晨鐘”，流行樂不一定總是“少年和白襯衫”，也可以有詩意的呈現。

在吳青峯演唱《未了》後，微博上還討論起歌詞意思。開頭的薛西佛斯，不僅引發了作者的遐想，也帶動了觀眾思考。

除了歌詞意境深遠，這一季作品的曲風也十分另類。

聲入人心男團演唱歌曲《鹿 be free》和《never enough》時，首次在《歌手》的舞台上將流行樂、美聲與歌劇相融合。

龔琳娜帶來了《武魂》，用悠長京劇、高昂民族和雄渾美聲三種不同的唱腔接力演繹《亥下歌》與《六州歌頭》，笛聲搭配鼓點，加入電子化聲效，古韻十足。

還有劉歡在《我要去哪裏》中的電子迷幻搖滾，以及齊豫《今世》的歌劇式曲風，即使是經過層層選拔的聽審們，也很難在第一時間就欣賞到曲子的奧妙。

《今世》的演出結束後，洪濤專門發了微博，評論區中，往季參賽歌手林志炫也對這首歌的排名感到詫異

實際上，拓寬曲風是《歌手》的一貫主張。

去年，《樂隊的夏天》讓搖滾廣泛活躍在了大眾的視線裏，而早在13年，《歌手》就已經請來了周曉鷗、欒樹等人，還原了搖滾樂壇的半壁江山[3]。

洪濤曾解釋這樣做的用意：音樂是多樣化，多元性的[2]。毫無疑問，到了第七季，《歌手》的這一理念更是被發揮到了極致。

《當打之年》，丟了歌手的靈魂

相比之下，《歌手·當打之年》在表演本身和節目理念上，都丟失了《歌手》幾季積累下的成果。

首先，歌手本人很少作出大的突破，無論是對自己還是對觀眾而言。

周深在《達拉崩吧》中的聲音轉變獨具一格，但更多時候仍是在傳達《大魚》同版空靈；

華晨宇的唱法與風格很獨特，但和兩年前參加《歌手》時的自己也沒什麼太大不同；

毛不易還是敬月光敬朝陽，不如參加《明日之子》時帶來的驚喜大。

顛覆人們印象最多的是徐佳瑩，但在“華語唱跳第一人”的古早視頻流出後，《大藝術家》倒是顯得沒那麼驚豔了。

沒有改變自己，也沒給觀眾帶來更多新的認知。這顯然不同於從前的《歌手》。

上一季極具爭議的楊坤，從比賽開始就堅決表示不唱代表作《無所謂》，而是帶來了風格迥異的《下個路口見》以及《長子》。

針對“驚雷”一事，楊坤作出的回應，很能反映出他的音樂態度：音樂人的肩上是承擔着一些責任的

同樣，大家期待已久的《橄欖樹》和《情話神話》等經典，也沒有作為齊豫的王炸在決賽中出現。

當然，《歌手·當打之年》也沒有為《歌手》的舞台呈現出更新穎的風格。

華晨宇在《降臨》中用到的雅樂音階“宮商角變徵”以及《強迫症》的雷鬼風格讓人耳目一新，可這一季總體來説，抒情類歌曲還是佔了主流。搖滾、民謠、R＆B以及電子樂等類型雖然也有所體現，但和前幾季相比都單薄許多。

《歌手·當打之年》對年齡作出的限制，更是讓《歌手》一直堅持的“重視作品內涵”的理念被沖淡了。

作為非原創型綜藝節目，《歌手》給觀眾帶來的更多是“老歌新唱”的新鮮感，擁有着不同經歷的歌手會對曾經耳熟能詳的歌曲作出新的詮釋[4]。

韋唯表演《在水一方》時的嗓音狀態和年輕時沒法相比，但歲月的沉澱讓她對這首歌的拿捏極為妥當。那句“我願逆流而上”，已不是原曲中追覓心上人的迫切，而是表達女性的堅韌不拔。改編後的歌更具普世意義。

這是再奇特的編曲和再優質的嗓音也換不來的。

《歌手·當打之年》限制的並不只是年齡，更是層次。

它不再引導大眾的音樂審美，而是成了微博超話內的粉絲團圈地自萌。

實質上，《歌手》更像是回到了十年前的選秀，與最初“摒除附加意義，只做純粹音樂節目”的理念背道而馳[5]。

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往季中，很少有這樣“頂流”與“小眾”的標籤同時出現在同一人的情況

這一季首次沒有沿用《歌手》的名字，或許它也知道，《歌手·當打之年》只是歌手的當打之年，而不是《歌手》的。

真正的《歌手》，可能停留在了去年劉歡奪冠時演唱的組曲，特別是結尾他與姚貝娜的背景音合唱的那一句：莫待無花空折枝。