華晨宇不配做歌王？實驗音樂真的是異類嗎_風聞

印客美学-印客美学官方账号-艺术科普向平台。2020-04-27 13:30

2020-04-27

最近華晨宇得《歌手.當打之年》總冠軍刷屏

對於華晨宇音樂一直有着兩極分化的評價

“怪誕”是很多人對華晨宇歌曲的第一印象

最後拿下歌王的那首《歌譚》

從像孩童般稚嫩不和諧的輕柔演唱

到最後狂風暴雨般的嘶吼

這種“精分式”的舞台表演

在讓人驚豔的同時也惹來了“花裏胡哨”的批評

對於華晨宇一慣的風格

有的人也直言無法接受

有的人卻説華晨宇做的是實驗音樂

那麼，什麼是實驗音樂呢？

今天小印來科普一下

是鬼叫？還是藝術？

2013年，華晨宇參加《快樂男聲》時一首沒有填詞、只有哼唱的《無字歌》就讓觀眾和評委摸不着頭腦。

在2015年，另一首運用各種人聲實驗的作品其《癌》又引起了廣泛的爭議，電音處理過的樂曲高潮讓人毛骨悚然，好像癌細胞擴張時的張牙舞爪；而有的人卻對這種“噪音”嗤之以鼻，聽不懂的音樂還能算作音樂嗎？

**華晨宇《癌》**來自印客美學00:0003:32

有人將歌曲《癌》被歸類“人聲實驗”，隸屬於實驗音樂的一種。

華晨宇的《癌》，起始於2014年和藝術家陸楊合作的作品，嘗試去描述癌症給人帶來的壓抑、掙扎、恐懼。《癌》在天娛十年“明天的派對”藝術展的開幕式中是作為一場即興演奏誕生的，一開始就不是為了商業傳播的目的，也難怪那麼多人無法接受。

為了能更好地瞭解為什麼那麼多人不喜歡《癌》，有知乎網友@村口制噪將這首音樂放入音樂分析軟件中並發現，這首歌的主旋律只有主級三級和七級和絃，高潮部分變成了七級和絃和主級的交替，其他部分全部是三級和絃和主級的情緒鋪陳。

《癌》歌曲分析

在音樂中，三級和絃可以營造出一種憂傷的氛圍，而七級和絃則構成向主級傾向的緊張感。這種和絃組合很少會在流行音樂中被使用，但是用在表達情緒方面卻很合適。

引起聽眾的不適就是這首歌想要達到的目的，它更像是一個藝術作品而不是流行音樂。説白了，這首歌本來就不是寫給普羅大眾聽的，那麼它被噴也是肯定的了。

這種打破人們常規認知的作品在最初通常會遭到強烈的牴觸，不僅是音樂界，在整個藝術界，甚至科學界都是如此。

鄧麗君的歌最初被批為“靡靡之音”而不允許被播放，梵高的畫在他生前從來沒有得到過認可，杜尚的《泉》，可能我們到現在都沒辦法接受那是藝術。

而我們從小學開始就耳熟能詳的哥白尼發現日心説的故事，在很長時間內也被當作是異端邪説。

所以至於華晨宇的《癌》究竟將成為經典還是將被遺忘，現在下定論還為時過早，我們只能説這是一首不同尋常的實驗音樂，剩下的，就交給時間去處理吧。

實驗音樂，在折騰什麼？

什麼是實驗音樂？

在回答這個問題之前，我們可以先説説什麼不是實驗音樂。

和大多數批評相反，**實驗音樂不全是刺耳的、不和諧的、自我沉醉的，甚至是噪音，雖然有一部分確實是這樣。**不過，鑑於任何偏離傳統的事物都很容易背上不應得的罵名，實驗音樂也同樣不被很多人看好。

對於實驗音樂的定義，每個人都會有各不相同的看法，而這也正是實驗音樂的魅力之一。不過概括來説，“實驗音樂”也就是其字面上的意思，即用音樂完成一個實驗。

實驗音樂之父John Cage曾説：“去完成一個實驗性的舉動就是去做一個你無法預知結果是什麼的事。”那麼在音樂的範疇內，實驗音樂就是“在不知道會出現什麼結果的情況下去有意挑戰、改變原有的音樂”。

實驗音樂之父John Cage

對於一些實驗音樂家來説，他們終其一生投入在對聲響、音樂的操縱和實驗中，創造出獨樹一幟卻大開眼界的音樂風格。

實驗音樂家並不是只在封閉的小圈子中自我陶醉，一些流行歌手也常常會受到他們前衞的音樂探索的影響。我們如今風靡全球的一些音樂風格，在20年前可能只是一次音樂實驗的奇怪產物。

德國實驗作曲家Karlheinz Stockhausen

**比如傳奇樂隊披頭士，就曾受到德國實驗作曲家Karlheinz Stockhausen的影響。**Karlheinz是最先一批使用電音的音樂家之一，引領了電腦混響的新潮，披頭士樂隊中的保羅·麥卡尼和約翰·列儂就是Karlheinz的粉絲。

為了向這位前衞的作曲家致敬，披頭士樂隊在其1967年“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”專輯封面就放上了Karlheinz的頭像。

“Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”專輯封面，最後排左數第五個是Karlheinz

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club BandNW8 - Remember the Beatles

作為電子音樂奠基人之一的Robert Moog在1970年發明了第一台Moog合成器，如今電子音樂已經成為流行音樂的一大重要分支。

Robert Moog

1970年的Moog合成器

這些音樂實驗最初只是小範圍的研究摸索，隨着時代的變化和審美的變遷逐漸變得廣為傳唱。而另一些音樂雖沒有形成自己的音樂體系，卻也被封為不朽的經典。

去年上映的電影《波西米亞狂想曲》就介紹了Queen樂隊最開始發行歌曲《波西米亞狂想曲》時受到的極大阻力。

Bohemian RhapsodyQueen - Bohemian Rhapsody (The Original Soundtrack)

**這首長達6分鐘的，融合了歌劇、重金屬、清唱等風格的歌曲，在當時看來是極為先鋒、實驗性的嘗試，可謂驚世駭俗。**原本Queen樂隊信心滿滿地相信這首歌將大獲成功，誰想到歌曲一經播出便罵聲一片，最終只得無疾而終、石沉大海。

然而誰想到，16年後在Queen樂隊主唱佛萊迪·莫克瑞去世後兩週，《波西米亞狂想曲》又被人翻出重新發行，並登上當時的音樂榜首。

16年前“刺耳的大雜燴”搖身一變成為人人爭相購買的傳世之作。我們總是走在審美變遷的路上，而優秀的實驗音樂家，只不過是起步早了些。

説了這麼多，你大概能對實驗音樂的內涵有一定了解了。

實驗音樂就是“在不知道會出現什麼結果的情況下去有意挑戰、改變原有的音樂”，它是一種音樂家在突破既定規則，原有舒適圈的一種大膽嘗試，是在當下音樂環境中可能還不被接受的音樂類型。

這些探索和改變在經過時間的大浪淘沙後，總會把糟粕洗去而讓金子得到應有的光芒。

匪夷所思的實驗音樂

倘若放在在實驗音樂的發展史上，華晨宇的《癌》根本算不上有多挑戰傳統。下面小印就帶你開開眼界，看看那些真正讓人匪夷所思的實驗。

優秀的實驗音樂家

在上世紀五、六十年代的美國，實驗音樂之父是John Cage開啓了對音樂不一樣的探索。

他最有名的一首作品叫《4’33》，穿着燕尾服的鋼琴家在鋼琴前正襟危坐，他戴上眼鏡、屏住呼吸，好像下一秒就要開始彈奏。

但讓人意想不到的是他卻關上了琴蓋，舉起一塊表開始計時。就這樣安靜地度過了一段時間後，鋼琴家把這一套完整流程又重複了兩遍，然後曲終，全場爆發出雷鳴般的掌聲。

（有一種被戲弄的感覺？）

在這首《4‘33》中，演奏家沒有彈響任何一個音符，音樂廳和舞台的安靜是這支音樂的全部內容。對於這麼做的目的，John Cage曾説過“聲響和沉默是創作音樂的兩個材料，將它們混合在一起就成了音樂”。

我們平時總是對音樂中發出聲響的那部分過分重視，卻忽視了同樣不可或缺的沉默。有人評論，《4’33》是一個有態度的藝術行為，在這裏，沉默可以肆意地咆哮。

就像在設計領域一樣，音樂界也有自己的“極簡主義”風格。在音樂中，極簡主義是指運用很少的音樂材料，通過不斷重複的手法，在重複中逐漸變化音樂材料，使之不斷發展和延續。

美國音樂家Steve Reich是有名的極簡主義音樂家之一，它於1966年創作的《come out》是標準的極簡主義代表作，後來也有舞蹈家結合這首歌詞單一但卻富有韻律的音樂編成了舞蹈。視頻連接請戳https://mp.weixin.qq.com/s/DVTBViUwculqSvKKJg8OAw

（如同卡殼一般）

事實上，這不是Steve Reich和舞蹈界的唯一一次合作，在1967年Steve Reich和舞蹈家Keersmaeker合作了藝術作品《violin phase》。在這個長達15分鐘的作品中，背景音樂只有小提琴一句旋律在不斷重複，舞蹈家在不停地重複一個動作，藝術家好像深深地沉浸其中，而作為觀眾的我們可能早已瞌睡沉沉。

到直到影片最後，一個俯拍的鏡頭才讓我們恍然大悟。通過舞者的腳步，一朵生命之花在沙地中綻放。