算法時代，學會寫首好歌到底還有多少價值？_風聞

作者 | Echo          編輯 | 範志輝

近期，劉歡在央視綜藝《魯健訪談》中“救救中國原創音樂”的討論受到業內外關注，再次引發了大眾對於算法推歌、神曲遍地的行業現狀的質疑與反思。

看到“救”這一聳人的字眼，很多人不禁思考，我們的原創音樂真的已經到了這樣的危急狀態了嗎？

從數據來看，我們每年原創音樂的產出其實越來越多，音樂平台入駐的原創音樂人數量也在幾年間從數萬人躍升到了20W+。看起來一片欣欣向榮，不過也存在匠心不足的問題。正如劉歡所言：“這狀態挺尷尬的，我們看起來很火爆……但是從一個唱片工業的衰敗過程到新的東西樹立，我們現在還一直在這個過程。”

也就是説，當下的流行音樂文化，其實仍處在一種轉型的斷層裏，模糊了舊有的文化地圖，新式文化的成型也還沒有完成。短視頻為音樂帶來前所未有的高產出與傳播度，卻依然難掩文化上的失落，我們從沒像現在這樣期待更多真正的好音樂。

於是，在音樂工業加速下沉的時代，環球音樂、索尼音樂、華納音樂、BMG等唱片公司開始定期組織創作營。像網易雲音樂這樣的音樂平台也推出詞曲創作大賽、線下創作營等舉措，擔負起提升音樂品質、引導用户審美的責任，推動建立一種多元、開放、新質的原創音樂生態。

爆款很多，好創作很少

消費、享樂的大眾化，正在神話般地對流行音樂進行文化重構。但明明應該是原創音樂百花齊放的時代，我們腦中迴旋的卻往往是同一種洗腦旋律。

據音樂博主“範筒”統計，從2019到2021年初的26首歌網絡熱門歌曲，只用了“4536”、“6415”、“卡農”這三種和聲套路。短視頻的出現，讓15秒就能統治耳朵的音樂成為源源不斷的爆款，所謂爆款背後的商業價值也讓行業對批量複製“口水歌”趨之若鶩，對創作力強調的也越來越少。

如範筒指出，“歌曲創作的門檻進一步降低了，最關鍵的就一點：寫兩句‘上頭’的旋律出來。”

當一首歌的創作變成了周密的運算，要求歌曲匹配在短視頻場景中的每一句都精確踩在大眾的嗨點上，也就抹去了創作中本該有的生命力和個性表達。就這樣，我們進入了一個爆款很多、創造很少的音樂時代。

而一批音樂實力堪憂的新人，靠着流量或顏值被打包塞進選秀節目，也不斷拉低着音樂行業的基礎水準。這些選秀出道的偶像，音樂作品往往只是其商業價值的附屬品，卻佔據了音樂市場絕大部分的注意力，導致劣幣驅逐良幣。

當然，也並非每個人都喜歡聽那些所謂的神曲，但算法推薦機制和公共場所不斷播放的洗腦旋律讓無人“倖免於難”。透過所有消費者瞄準一個消費者的算法推薦，默認別人喜歡的歌你也會喜歡。算法依賴下的推歌機制讓流量不斷傾斜、疊加，音樂收聽端的馬太效應越發明顯。

雖然劉歡認為神曲的出現是每個時代都會有的正常現象，但當主持人魯健提到“神曲也是原創音樂一部分”時，他卻嚴肅地説道：“算不算原創不好説，因為我認為呢，原創應該是一個體現音樂人自己理想和審美，甚至價值觀的一種東西。”

顯然，劉歡的言外之意就是當下的很多神曲並沒有獨創的表達和審美，很難算得上是原創。正如節目所提到，在短視頻時代，一些被算法和資本助推出的作品，只能作為背景音樂曇花一現，難以持續。

算法時代，創作力還重要嗎？

不過，我們也需要看到，爆款歌曲也有好壞之分。

那類常常被詬病的爆款歌曲，其實就是“口水歌”，通過短時間內不斷重複的歌詞和旋律來增強受眾記憶，達成所謂的“洗腦”目的。這些歌雖然能迅速走紅，但壽命極短，比如《清空》《你的眼睛像星星》《半生雪》《學貓叫》，就是速紅速朽的代表。

還有一類質量過關的爆款歌曲，則是製作上達到了較高的行業水準，不僅擊中了大眾情緒，也反映着時代特質，從而能夠持續性地走紅與流傳，如《錯位時空》《你的答案》《熱愛105℃的你》《起風了》等。

B站UP主“叨叨馮聊音樂”在給時下熱門歌曲的打分視頻中，也給最近很火的《熱愛105℃的你》打出了高分，認為這首歌不僅旋律豐富、節奏張弛有度、編曲有層次，而且很好地表現了蒸餾水這一主題，其創作水準和用心遠勝於一眾“口水歌”。

而創作出這首歌的阿肆，其實早就是內地公認的實力很強的音樂人了。可見，要想重新定義爆款歌曲，歸根結底還是在於音樂人的創作本身。

在強調個性表達的時代，越來越多的音樂人選擇自己作詞作曲，但很多新生音樂人連最基本的技能也是缺乏的。據網易雲音樂發佈的《中國音樂人生存現狀報告（2020）》顯示，7成音樂人認為自己需提升專業技能。

那麼，怎麼才能有效幫助音樂人提升創作力呢？

一般來説，傳統的音樂學院更多是打基礎，主要承擔的是系統的樂理和器樂訓練，但不會教人怎麼寫歌，實操性非其所長；線上也有些培訓課程，不過針對性不強，而且失去了面對面的交流互動。目前，出現了一種比較新的方式就是線下的創作營，兼具針對性、實操性和互動性，由此成為當下唱片公司、音樂平台普遍的摸索方向。

不妨以近期剛剛結營的網易雲音樂星辰集·詞曲創作營為例，做一下分析。

據悉，該創作營去年開始舉辦，今年的國風季不久前結營。在類似活動助推下，也湧現出不少的優秀歌曲，此前星辰集中20歲男孩陳志傑創作的《晚安》經顏人中演繹後總播放量超10億，成為現象級爆款。

而在今年，王海濤、易家揚、劉胡軼、戴荃等行業頂尖詞、曲、編創作人加入導師陣容，鼓勵學員以國風元素為主導，與民謠、説唱、流行等多種分眾音樂融合，打造真正優質的新國風作品。

在講參與創作營收穫時，音樂人執素兮就特別強調導師對實操性的指導：“易家揚導師講課時講到自己寫詞的經驗時，會突然被他的某句話點到，腦海中產生想法……‘不要只架構一個虛幻的景，要試着要把別人拉進你的景裏面，而不光是有景，還要把故事放到景裏面去’”。相比網課與傳統的學院式授課，線下創作營的場景感讓導師與學員之間更能達成“寓教於樂”的高效溝通。

在課後實操中，創作營也以分組模式開展競爭與合作，讓各種風格的音樂人發生思維碰撞，而學員間、學員與導師間的高互動，也都是音樂人閉門造“歌”比較難獲得的體驗。

學員高可意在採訪中談到：“大家的個人風格都挺明顯的，而且差的都挺多的，所以我們每一個人在互相地去牽制，為了有一個更好的作品融合，最後真的做出了很驚喜而且很有意思的作品。”

摘得創作營大滿貫（最佳作曲獎、最佳探索獎及一等獎）的情桑也表達了類似想法：“一個人的可能性是有限的，但是當大家在一起的時候，你就會知道音樂到底應該是什麼樣子的。”

比較難得的是，當大眾甚至音樂從業者都開始質疑，算法推歌的時代中，創作一首好歌還有多少價值時，類似的教學活動，仍然在向創作者強化這樣一個信念——“音樂人……應當儘可能地去保留自己的風格，並同步學會如何跟受眾建立情感連接，把用户帶入到你的歌曲（故事）中，兼顧歌曲的質量和市場接納度。”

找尋下一個羅大佑、方文山

我們迎來了爆款遍地的音樂時代，但真正能留存下來，沉澱為金曲的歌似乎並不多。轉型後的華語樂壇為何再難誕生金曲？這是近年來行業不斷在反思的問題。

多元渠道使得音樂營銷具備了更多不確定性，短視頻成為音樂宣發的利器，同時也帶來了用户消費的碎片化。當批量複製的歌曲也能產生商業價值，行業對擁有巨大市場的“口水歌”趨之若鶩。這些都造成行業中營銷比重漸漸大於製作的畸形現象。

金牌製作人陳耀川在去年的星辰集詞曲創作營中説道，“曲是一首流行音樂的下限，詞是上限。一首歌的曲決定流行的可能性，歌詞決定的是的高度與深度”。而在“口水歌”的短期利益驅使下，從業者不再追求上限，而是在不斷挑戰下限，流行音樂創作標準越來越低。

而這些弊病，在國風歌曲創作上暴露得尤為明顯。當下，雖然國風熱持續，但也越來越魚龍混雜，成為抄襲、侵權重災區，尤其在最能體現國韻的詞作方面，往往是辭藻堆砌、敍事空洞、佈局混亂，空有佳字而無佳章。

比如，樂理不通卻寫出流量爆款的李袁傑，在《離人愁》裏用一句“白了華髮”挑戰常識，“兩股癢癢”更是讓人不知所以。2016年，一位名叫@程序員Delton的甚至做了個寫古風歌詞的生成器。

回顧集齊一眾高超作曲作詞人的華語黃金時代，如羅大佑文學與流行性兼備的詞曲引發的時代思考，如方文山帶來了流行音樂市場最早一輪的“國風熱”。如今，國風熱回來了，“方文山”們卻沒有回來。

或許，這也是此次星辰集詞曲創作營以“國韻復興”為主題的原因——不能再讓國風歌曲在浮躁的市場中淪為空洞重複的自我言説。

正如戴荃所説：“國韻復興，應該説是‘復興’兩個字最重要。復興就是如何做出一個跟之前不一樣的國風，結合現在的一些行情、因素……我們總希望不要把非常老的東西拿出來再反覆咀嚼，很沒有味道，我希望能夠未來化一點，實驗一點。”

回溯唱片時代的金曲誕生過程可以看到，分工明確的音樂製作流程與大量技藝成熟的詞曲編作者很好地保證了當年那些“爆款”歌曲的質量。而流媒體時代的音樂創作更加地自由肆意，也更考驗音樂人的能力和本心。因此，脱穎而出的全能音樂人少之又少，大多數音樂人其實都面臨着“孤掌難鳴”的困境。

於是，平台作為聯繫行業各方的重要橋樑，將各環節的優質資源聯結、整合起來，並將大量的“卧室音樂人”集結在一起激發共創優勢，成為產業轉型期間打造金曲的應有之義。而除了創作營這種形式，更多對優秀詞曲創作者的發掘、扶持也勢必被更加重視。

當然，要想孕育下一個羅大佑、方文山，不能完全寄望於音樂平台以一己之力、一步到位去改變當下爆款歌質量與流量倒掛現狀，還需要更多對音樂人羣體創作質量有提升的行業服務，以及詞曲版權權益同步完善等多方位的舉措不斷落地。

但不容置疑的是，在算法時代，創作一首好音樂仍然有着至關重要的價值。

排版 | 安林

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