你可以永遠相信《哥哥》的舞台_風聞
摇滚客-摇滚客官方账号-有态度地听歌、看剧2021-09-26 10:26
來源 | 搖滾客
悟空音樂：戴荃 - 悟空
今日BGM，《悟空》，戴荃。
最新一期播出的《披荊斬棘的哥哥》，言承旭在表演《偶然》舞台時哭了。
徐志摩的《偶然》是為林徽因而寫，紀念他們茫茫人海中的相遇，感嘆漫漫人生中的交錯。
可能言承旭也想到了自己。
《哥哥》的舞台上有很多次告別。歌手黃徵拉起大提琴，他在追憶逝去的父親。
看完挺感觸的，就像舞台上這座離別的車站，每個人只能陪自己走人生的一段路。
《哥哥》賽程已經進入後半段，想想還挺捨不得。我説一句它有今年最牛的音樂舞台，應該不誇張。
音樂綜藝看了那麼多年，從最初的“比誰慘”、“飆高音”，再到現在的“rap遍天下”；
或許真的可以從《哥哥》談一談，到底什麼是高級的舞台？
看《哥哥》有個特點，只聽純音樂，和看真人表演的舞台，感受完全不同。
説明節目組下了大功夫，它的舞台總會有意料之外的小細節。
就拿這期的《花祭》來説，它和《偶然》是同台對打的歌，都是談離別。
齊秦的原曲説的是，不要走。
看慣了離別時男人只能轉過身來默默死撐的劇情，男兒柔情反而少見。
黃貫中和張淇都在想陳輝，可就像舞台上透過樹木，一幀一幀閃過的光陰，這段兄弟情陳輝先離開了舞台。
聽起來又是個重複着淡淡傷感的舞台，這時鏡頭對準了枝椏上的兩隻螞蟻。
這是個很生活化的細節。
《花祭》的舞台被佈置成深秋，工蟻在準備過冬的食物。其實它們在窮忙，因為大多數工蟻的壽命只有一年。
但還是要繼續幹啊，就像人還是要繼續往前走。
有時候想太多生命的意義沒用。人活着，活在當下，珍惜當下能抓到手的幸福，重要的多。
看過太多隻求“高大上”的舞台，這樣用細微處展現生活情趣的舞台反而能戳到我。
就像《悽美地》舞台那隻匆匆飛過的鳥，可能很多人壓根沒看到，《哥哥》卻執着要加上。
《悽美地》其實又是個談離別的歌，郭頂想表達的是每個人都是孤島，想要靠近，又怕扎傷自己。
如果這場表演裏上下錯落的舞台代表“溝通”的距離，那隻匆匆飛過的鳥，或許代表着難得的“理解”時刻。
沒人會是一片孤島，前提是你先打開自己。
第二個讓我印象深刻的，是“大灣區”這個詞。
印象中它就是從《哥哥》舞台上傳開的。
這幾年邀請香港藝人搞回憶殺的節目太多了，他們就像過年時的福娃背景板，除了讓他們穿上當年的戲服，講一講塑料普通話，好像也沒啥可做的。
但《哥哥》裏他們不是提線木偶。
比如《3189》的舞台，這是典型的“Z時代”式表達，不談深刻意義，只唱一時情緒。
這歌其他人來唱都太“重”了。或許我們習慣命題作文式的表達，總想得到點深刻意義。
讓大灣區來表演才算選對人。
這場表演裏的全黑西裝造型，別人穿上必然是高冷耍酷，但西裝在香港只是工作制服。
大灣區用“黑幫片”造型，來唱催眠神曲的“瑪麗有隻小綿羊”，就像一個在外人模人樣的中年男，回家穿上可愛睡衣，靠“數羊”才能挺過下一個工作日。
這種基於生活的黑色幽默特別有周星馳那味兒，或許也是粵語文化的獨特面：嚴肅內容，娛樂表達。
既然玩起來，這期的《搖滾怎麼了》索性玩到嗨。
同台的幾個人，大灣區的陳小春，帶着川渝地區的Gai和Bridge，唱着北京腔的歌，在台上打起了保齡球。
節目組太會搞了。
這是個沉浸式的舞台，因為它打破了只能“台上唱、台下聽”的第四面牆，大灣區和觀眾的互動本身就是觀眾的一部分。
此時彈幕飄走：在場的300人一定玩瘋了。
還能讓觀眾get到這種可愛。
《哥哥》用短短几個舞台，塑造了一羣可愛的人，還把寬泛的地區文化具像化，讓觀眾get到這種可愛。
和千篇一律的“情懷殺”相比，《哥哥》要高級太多。
最後想談談《哥哥》最出圈的舞台：《悟空》。
這是我對《哥哥》改觀的一期。
唱“悟空”的歌曲很多。
趙英俊的《悟空傳》，是狂。
我要這天，再遮不住我眼；要這地，再埋不了我心；
要這眾生，都明白我意；要那諸佛，都煙消雲散!
而戴荃的《悟空》，是惑。
我要這鐵棒有何用，我有這變化又如何；
還是不安，還是氐惆，金箍當頭，欲説還休。
《哥哥》舞台上，張淇和白舉綱的《悟空》，象徵着人的神魔兩面。
舞台開場，燈光打造出混沌未開的濁世。
張淇眉間一道紅印，入了魔，他想清算這“心有魔債”；
白舉綱怒目金剛，中間一段唸經式的低吟,神佛的斷情絕愛：世惡道險、終究難逃。
兩人在舞台上的角力，就像我們內心中每一個掙扎時刻。
最後以張淇一段戲腔吼出：這一棒，叫你灰飛煙滅。
那段放肆狂笑才是真正的悟空：他不想當鬥戰勝佛，只想當天地間一個自由的石猴。
基於原曲，又有了新的解讀。
這個舞台太高級了，它已經超越單純的表演，而是上升到了人文表達。
它喚起了每個人心中的悟空。
國內綜藝，也終於能看到“活人”了。
《哥哥》的舞台的這種獨特沉浸感。
我想首先是因為創作團隊的審美，一看就是花了大錢。
但只花錢還不夠。
史航評價《妖貓傳》時説過一個很妙的觀點：
為了拍電影花巨資建造的“唐城”，裏面連樹都是真的。
這才是最高級的審美，因為它考慮了時間的厚度，讓資本讓位於藝術。
談《哥哥》的舞台審美，我覺得只説燈光、佈景是遠遠不夠的。
它的革新之處在於，搬來了真的樹、填上了真的草。
自然之力，它既接地氣，又那麼高級。
就像歌唱，是流淌在人血液裏的東西。
或許現在可以回答當初的那個疑問：
成熟男藝人蔘加《披荊斬棘的哥哥》，是“墮落”了嗎？
那麼多場舞台看下來，我覺得不是。
《哥哥》想做的是唱演家族，而不是傳統男團。
偶像工業和藝術表演的本質區別是：是否只崇拜年輕。
偶像的舞台是限定花期，30歲後即使容貌不變也要轉型。因為大家只想看青春肉體。
至於一個人的複雜、對生活的感悟？這不是偶像工業考慮的問題。
《哥哥》舞台上能看到複雜。
或許可以説，它用舞台重塑“音樂人格”。
愛一個音樂人，本質上是愛相同的自己。
《哥哥》舞台上能看到音樂人身上矛盾又統一的東西。
比如林志炫，他最被詬病的一點是“唱歌只有技術，沒有感情”。
可沒有對技術的極致追求，他也不可能50歲還有一把清亮的嗓子。
更不會掉下舞台後一秒爬上來。
事後他哭了，哭的不是病痛，而是自己毀掉了觀眾的沉浸感。
用舞台尊重人的複雜，尊重這種不完美的獨特。
《哥哥》絕對是革新者。
這也是他們追求的氛圍感舞台：
它迴歸到人本身，讓人感到自由。
能戳到觀眾心裏最柔軟處，也就征服了觀眾。