為什麼這支“臭流行樂隊”會被人喜歡？_風聞

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　　如果你是一個搖滾音樂愛好者，當別人問你最喜歡哪支樂隊時，你毫不猶豫地回答「Coldplay」，對方也許會向你投去鄙夷的眼光，並告訴你説他們只是臭流行。

　　然而這支「臭流行」的英國樂隊又是無數人不可否認的搖滾啓蒙。

　　一首《Yellow》讓許多人開始接觸搖滾音樂，也養活了許多樂器培訓機構——這幾乎是架子鼓教學的必備初學曲目之一。

　　曾經Coldplay連續三張專輯都獲得獨立音樂的高逼格指標獎項：水星獎的提名。

　　要知道，水星獎是以偏愛小眾、經常爆冷的口味出名的，號稱全球最高冷的音樂獎項，而當年勢頭正盛的 Coldplay能被提名，其實並不簡單。

　　作為一支英國樂隊，他們也拿下了七座格萊美獎，這其中也包括最佳搖滾專輯獎。

　　在樂隊逐漸式微的21 世紀，Coldplay不僅有不少大熱歌曲、一億張唱片的可怕銷量，巡演總票房還排在全球前五，簡直就是一個奇蹟。

　　那麼，他們又是為何成為令諸多搖滾樂迷痛心不已、羞於啓齒的樂隊的呢？

　　前段時間，主唱Chris Martin宣佈Coldplay再出三張專輯就不再推出新作。

　　而最後一張專輯將會是一張同名專輯，叫做《Coldplay》，來為樂隊二十多年的事業生涯畫上完美的句點。

　　藉此機會，也讓我們一起循着他們的軌跡，看看 Coldplay 究竟是一支怎樣的樂隊。

　　1996年9月，剛剛進入大學的Chris Martin在同學Tim的介紹下，認識了Jonny Buckland。

　　兩個二十出頭的年輕人出於對音樂的熱愛一拍即合，組建了一支名叫 Pectoralz的樂隊。

　　Chris擔任主唱，Jonny負責彈吉他。幾個月過後，他們開始一起寫歌、排練。

　　然而兩個人的樂隊還有很大的侷限，Chris和Jonny也想吸納更多的成員。在這期間，Chris 還認識了彈鍵盤很厲害的Tim Rice-Oxley。

　　不過Tim此時已經有了另一支叫做Keane的樂隊，也就沒有加入他們。

　　多年後，Keane和Coldplay都成為後英倫時期的代表樂隊，不過那就是另一段故事了。

　　又過了一段時間，他們的同學Guy Berryman入夥，擔任貝斯手，並在未來的二十多年裏憑藉着卓越的髮量成為樂隊當之無愧的顏值擔當。

　　Guy是一個左撇子，但仍然彈右手琴。

　　萬事俱備，只差鼓手，但是一切無需操之過急，他們決定一邊寫歌一邊尋找新的成員。

　　三個人一起寫了三首歌，決定製作成一張EP，於是他們敲開了他們的朋友 Will Champion的家門。

　　Will會演奏很多不同的樂器。他會彈吉他、貝斯和鋼琴，會拉小提琴還會吹錫笛，但是他並不會打鼓。

　　而他們的到訪，也只是因為Will和一個鼓手住在一起，家裏就擺着一套架子鼓。

　　好巧不巧的是，這天晚上，Will的室友有事出門了。眼瞅着錄音計劃就要泡湯，Will卻説他想要試試看。

　　彼時，Will 雖然還不會打鼓，但他一貫學習樂器的方式都不是跟艱深的樂理知識搏鬥，而是靠觀察：看別人怎麼彈琴，他就怎麼彈。在和鼓手室友同住的日子裏，他早已耳濡目染。

　　於是，Will第一次握起鼓槌，樂隊也錄製了第一首Demo，終於不虛此行。不久之後，Will 正式加入樂隊，完成了最後一塊拼圖，這個經典陣容一直到今天也沒有再變過。

　　儘管樂隊已初建規模，但一支樂隊還是要有一個像樣的名字。

　　樂隊最初的名字Pectoralz‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍‍看上去高大上，但翻譯過來卻是胸肌的意思，實在是有點草率。

　　後來樂隊又從Pectoralz改成Starfish……從胸肌變成了海星，好像是好了那麼一點，但也沒好到哪去。

　　Coldplay這個聽上去十分酷炫的名字，是他們從朋友那裏撿來的。

　　把Jonny介紹給Chris的Tim自己也有一支樂隊，Coldplay本來是他們的隊名。但是他覺得這個名字太過壓抑，於是就把隊名換掉了。

　　於是，Starfish順理成章地變成了Coldplay。

　　Coldplay這個名字來源自美國詩人Philip Horky在1997年出版的詩集《Child’s Reflections, Cold Play》。

　　這本詩集非常風格化，以獨特的詩意結構探索着人們的內心世界。

　　樂隊的中文譯名「酷玩」或是「冷耍」聽上去似乎有趣，卻也在某種程度上消減了原文的黯淡色彩。

　　儘管如今的 Coldplay 和壓抑幾乎扯不上什麼關係，但他們的早期作品，卻是非常符合「Coldplay」的意涵。

　　樂隊的第一首 Demo 作品《Ode To Deodorant》，就有着非常冷冽而詭異的感覺。

　　這首歌收錄在一張自制的磁帶上，封面還印着當時擔任經紀人的Phil Harvey 的電話號碼。

　　隨着遊離的合成器音階開場，更令人印象深刻的是突入的電吉他掃弦：過載音色搭配着 Phaser 和 Delay 效果，只是演奏着高低八度的半音下行，卻用停頓和切弦的方式做出了十足的律動感。

　　接下來，Jonny 又在一個小節中變換着兩個和絃，讓律動感變得更加突出；

　　而貝斯的旋律則將原本基於 Bm 的半音下行和絃變成了新的進行：Bm-F#-A-E。而其中，F#和絃運用了和聲小調，而E和絃則可以看作是使用了 Dorian 音階。

　　而鼓組不僅跟貝斯配合默契，更是和吉他彈出的節奏卡得嚴絲合縫，聽來甚爽。

　　然而這麼一首逼格不低的歌，卻是唱給除臭劑的頌歌……

　　也許你會以為歌詞是在借喻什麼更深層次的東西，然而並沒有，完全不知所云。

　　但作為樂隊的第一首自制作品，已經具備相當的完成度，音樂性也很不錯。

　　而後，在Phil 的資助下，Coldplay 獨立發行了首張EP《Safety》，依然延續着他們的陰鬱質地。

　　緩緩遊弋的木吉他掃弦、間或出現的大小調互換、迷幻味道的電吉他，搭配人聲演繹出頹喪的感覺，都不免讓人聯想到 Radiohead。

　　而 Chris 此時也還沒有形成標誌性的個人風格，頹廢的感覺也有點模仿 Thom Yorke 的意味，但仍然精彩。

　　這張EP一共只印了500張，樂隊在自己的演出上賣掉了50張，其餘的大部分都被送給親朋好友、寄給各大廠牌。

　　如今，這張唱片已被炒到天價。

　　《Safety》首先吸引了唱片公司 Fierce Panda 的注意，率先和樂隊簽下合約推出單曲；

　　隨後樂隊轉投曾簽下披頭士、Queen、Radiohead 等樂隊的大公司 Parlophone，簽下了五張專輯的合約，並首次登上 Glastonbury 音樂節，隨後延續着他們的清冷的氣質，推出了第二張 EP《The Blue Room》。

　　儘管Coldplay被大公司收入麾下、登上了世界上規模最大的音樂節，但樂隊仍然發展緩慢，難有起色。

　　在錄製《The Blue Room》的過程中，製作人覺得Will打鼓的能力不足，而Chris也開始抱怨Will的鼓沒打在拍子上，一度把Will趕出了樂隊，兩三天之後又滿懷內疚地懇求他迴歸。

　　解決了內部的問題之後，他們仍然要面對現實——即便樂隊已經推出了兩張 EP，但卻沒有任何一首歌曲在排行榜上混上名次；

　　此刻，他們還只是四個籍籍無名的年輕人。

　　於是在《The Blur Room》的製作人Chris Allison的召集下，Coldplay 來到錄音室，大膽地決定啓動首張專輯的製作。然而樂隊成員之間的關係還沒有完全緩和，Allison也不滿意他們的狀態，專輯計劃暫時擱淺。

　　就這樣又過了幾個月，Ken Nelson被找來擔任Coldplay的專輯製作人。他看了樂隊的演出，發現癥結依然存在：“感覺他們非常緊張，匆匆忙忙地完成演出，很難讓人聽進去。”

　　而在接下來的日子裏，Ken和Coldplay就每首歌做出詳細的討論，從每首歌要用什麼速度到編曲的每一個細節，讓樂隊鬆弛下來，找到更加對的狀態。

　　在 Ken 的幫助下，樂隊終於輕鬆地完成錄製，在世紀之交的千禧年推出首張專輯《Parachutes》。

　　首張專輯依然保留了 Coldplay 冷冽而陰鬱的感覺：第二張 EP 中的《High Speed》被原封不動地收錄在專輯裏，全新的創作《Spies》聽來也依稀孤獨空曠。

　　但專輯更多地展現着與以往不同的面貌。

　　同樣收錄於第二張 EP 裏的《Don’t Panic》，在Ken的重新炮製下，中段的鋼琴音色則染上了Phaser的效果，而原本藏在樂器裏的電吉他的聲音變得更加清晰，有着更加温暖的質感。

　　專輯的首波主打歌《Shiver》是在美國唱作人Jeff Buckley的影響下所誕生的創作。而唱片公司的 A&R 在最初聽到它的時候卻非常失望，無法從中感受到任何的活力。

　　但在樂隊調整過狀態之後，這首歌卻變得截然不同。

　　這首聽來輕快的歌，實際上唱的卻是愛而不得的無奈。Coldplay 不僅用歌詞傳達這種情緒，在和聲上也體現出這種糾葛的感覺。

　　前奏與副歌的和聲進行是B-F#m-A-G#m，而中間的兩個和絃 F#m 和 A 則是把調式換到 Dorian 上：

　　主歌部分則從四級和絃 E 開始，隨後才轉到一級和絃B：

　　而主副歌之間的橋段只在 G#m 上做文章，在前面的幾句裏讓根音在 G# 和 G 之間反覆移動，讓不確定的感覺更加強烈；

　　而在副歌前的最後一句，則用了line cliché 的手法，G#m 一路根音下行移動到 Emaj7：

　　Chris 還在木吉他上使用特殊調絃，將四弦調成 B、一弦調成 D#，讓和聲的層次更加豐富。

　　Will曾被趕出樂隊的那兩天也成為了樂隊創作的養分，變成了歌曲《Trouble》。

　　Will的鼓和Chris的鋼琴也恰好成了這首歌的主軸，儘管這是一首以道歉為主題的歌曲，但情緒裏卻流露着温柔的味道。

　　每段主歌的最後一小節都使用了F和絃，而這個和絃則是從 Mixolydian 調式中借來的；

　　而副歌則使用了 E Dorian 的調式，和聲進行變成了更加有離調感的 A-Em。光是從作曲的角度來看，這首歌已經足夠 Trouble 了。

　　當然，真正讓樂隊聲名鵲起的還得是《Yellow》。這首歌完全是計劃之外的產物，幾個人在錄完《Shiver》之後出門透氣，在星空下攫取靈感，很快就完成了這首歌。

　　在這首歌裏，Coldplay 將以往冷冽的感覺完全拋在腦後，歌詞和旋律都盡顯温暖的感覺。樂隊也由此爆紅，直到現在《Yellow》仍是他們最受歡迎的歌曲，甚至可以説沒有之一。

　　整首歌幾乎只用了 G、C、D、Em 四個和絃，電吉他 riff 也基本上通過掃弦來構建，在 Coldplay 的創作裏算是非常直給而簡單。但他們還是把巧思留給了最後一段人聲伴着吉他的哼唱：

　　在唱到「you」的時候，和絃變成了 F#m，而在之前的段落裏，這裏的和絃則是大調的F#和絃。

　　這個從平行的自然小調中借用的和絃有了不一樣的色彩，最後還以四級的大七和絃Emaj7結尾，有種意猶未盡的感覺。

　　《Parachutes》的推出讓Coldplay大獲成功，一躍成為後英倫 (post-britpop) 時期的領銜樂隊，更是獲得了格萊美最佳另類專輯，在全世界都收穫了不少樂迷。

　　封面上黃色的地球儀在每個人的腦海裏不斷旋轉，也成為了許多人的搖滾啓蒙專輯。

　　儘管看起來樂隊起步緩慢，但其實從正式成立到名聲大噪，不過花了兩年的時間。而不論是商業成績還是樂評表現，他們都有了一個相當高的起點，這既是一件好事，但也意味着他們即將面臨着更大的挑戰。

　　在《Parachutes》打響名聲之後，Coldplay繼續搭上製作人Ken Nelson，開始籌備第二張專輯。

　　在九個多月的時間裏，他們陸續創作了二十多首歌，錄音的工作也有條不紊地進行着。

　　然而就在專輯即將完成之際，Coldplay卻決定推翻重來：因為這些歌聽起來和《Parachutes》實在太像了。

　　他們並不想重複自己，而是要尋求突破。

　　在重重的壓力之下，儘管經常有人在排練的時候嚷嚷着要退出樂隊，但最終，四個人還是聚集在一起，交出了一張近乎完美的答卷：《A Rush of Blood to the Head》。

　　Coldplay 在這張專輯裏還是留下了幾首簡單而抓人的抒情歌曲。

　　《In My Place》、《The Scientist》依然帶着《Parachutes》裏簡單而又抓人的特質，也不出意外地成為專輯中最受歡迎的兩首歌曲。

　　但與此同時，這張專輯更是 Coldplay 野心的呈現。

　　相比第一張專輯的簡單和直率，這張專輯的音樂更加複雜，探討的主題也更加深刻，在各個維度上都有着顯著的提升。

　　專輯的開篇曲《Politik》是 Chris 在 9/11 恐襲事件發生後寫下的。頭兩句歌詞原本是「Look at earth from outer space / Isn’t this a crazy place?」，而後 Chris 改成了把後半句改成了「Everyone must find the place」。

　　這首歌與 Coldplay 此前的作品都有着非常大的區別，爆裂的八分音符形成巨大的音牆，而 Chris 大聲地唱着「Open Up Your Eyes」，像是要把人們從沉睡中叫醒。

　　這首歌的大部分時間都在C7和Fsus4之間兜轉，只有兩個和絃。這實際上是 F 和聲小調上的五級到一級，是一個並不常見的和聲進行；

　　直到最後，才變成了普通的 6415 進行。

　　值得一提的是，這首歌的鋼琴部分還有 Muse 的主唱 Matt Bellamy 的參與，這麼一想似乎也有點 Muse 的味道。

　　與之相似的還有《God Put A Smile Upon Your Face》。

　　這首A大調的歌曲同樣也從大三和絃 C# 起手，而這其實也是 F# 和聲小調的五級；但這首歌的和聲要更為複雜，離調感也更為強烈。

　　這首歌的木吉他部分採用了C#-F#-B-E-G#-C# 的特殊調絃，掃弦時將一二絃放空，就得到了這種非常怪異的和聲效果。

　　而如果把第二個和絃當作起點，再刨開空絃音，你會發現 E-D#-D-C# 是一個完全的半音下行的進行。

　　而到了副歌又變成了1-5-6的進行，但原本是小調和絃的六級卻使用了大調和絃，在守序之中製造着一點小小的混亂。

　　即便是和聲簡單的歌曲，Coldplay 也能玩出新的花樣。鋼琴做主角的《Clocks》，前奏乍聽之下有着微妙的怪異感，然而再往下聽又覺得非常和絃。這是因為第一個出現的和絃 Eb 並不是一級和絃，而是五級和絃。

　　實際上這裏使用的是 5-2-2-6 的進行，儘管沒有一個和絃是離調和絃，但卻有着奇妙的魔力。

　　Coldplay 憑藉這張專輯在一眾後英倫樂隊中脱穎而出，最終斬獲了三個格萊美獎項，《Clocks》更是獲得了年度歌曲獎這樣的通類大獎。

　　直到現在許多歌迷都覺得這是 Coldplay 的最佳專輯，在藝術性和流行度之間做到了很好的平衡感。

　　《A Rush of Blood to the Head》的成功繼續促使着 Coldplay 尋求突破。他們花了整整一年的時間，才完成了第三張專輯《X&Y》。

　　在《X&Y》中，你能明顯感受到 Coldplay 在編曲上的變化，不僅使用了大量的合成器，失真吉他的運用也比前兩張更高；整張專輯氛圍感更加強烈，呈現出宏大的太空搖滾的風格。

　　在這些變化裏不難聽出電子樂和氛圍音樂對 Coldplay 的影響：

　　開篇的《Square One》從科幻電影《2001太空漫遊》的主題曲《Also Sprach Zarathustra》攫取了經典的三個音符，轉而用合成器佈下廣袤宇宙，而後闖入的鼓點也有着電子樂式的機械感。

　　而《Talk》更是直接借用了德國電子樂先驅Kraftwerk的經典曲目《Computer Love》，將原曲中的電子旋律化作激烈的電吉他 riff。

　　除了合成器的廣泛運用之外，絃樂在這張專輯的存在感也大大地提高。儘管樂隊在第二張專輯中就已經使用了較多的絃樂編曲，但卻從未讓人感覺它們是如此突出。

　　在《What If》的尾段，以半音階不斷爬升的絃樂羣奏營造出非同尋常的迷幻感，彷彿將人帶入漩渦裏，讓人想起 The Beatles 的《A Day in the Life》。

　　專輯中最受歡迎的《Fix You》則是 Coldplay 最為擅長的抒情歌曲，在今年的冬奧會上，它成為了美國雙人花滑的比賽曲目。

　　歌曲的前半段只有靜謐的風琴伴奏，而隨着其他樂器的加入也有了非常宏大的聲響。

　　《X&Y》仍然收穫了不少好評，Coldplay 在新方向上的嘗試也備受肯定，並首次提名格萊美最佳搖滾專輯獎。

　　然而，也有一些樂評認為這張專輯並沒有前兩張專輯那麼好，尤其是《A Rush of Blood to the Head》拔高了所有人的期待，《X&Y》的表現也只能説是差強人意。

　　甚至就連 Coldplay 自己，對專輯的表現也並不是那麼滿意。

　　在專輯製作的初期，樂隊創作了60首歌曲，而最終只有8首被收到專輯裏；在漫長的製作期裏，他們變更了製作人、反覆調整歌曲的順序，許多歌曲被推翻重錄，像是在一年的時間裏製作了三張專輯。

　　儘管每個樂隊成員都在整個過程中得到了提升，也發揮了自己的最佳水平，每個人都在前進的路上，卻覺得像是在退步。

　　接下來要往哪走，對他們來説也是一個新的難題。

　　對此時的 Coldplay 來説，路似乎已經走到了盡頭，想要繼續往前走，只能去打破他們舊有的習慣。這一次，他們找來在《X&Y》中的《Low》中演奏合成器的氛圍音樂人Brian Eno來擔任新專輯的製作人。

　　如果你不知道Brian Eno 是誰，不妨看一看他的履歷：

　　和 King Crimson 的 Robert Fripp 一起組過樂隊，參與了 David Bowie 的「柏林三部曲」專輯，也是 U2 的經典專輯《The Joshua Tree》、《Achtung Baby》的製作人。

　　而他本人則是一位氛圍音樂的大師，還為微軟製作過 Windows 95 的開機音樂。

　　在 Brian Eno 的操盤下，Coldplay 在此前從未涉獵過的路線上探索和實驗，迎來了樂隊生涯中最重要的轉折點——《Viva la Vida or Death and All His Friends》。

　　這張專輯展現出和前三張專輯截然不同的聲響。

　　Coldplay把前面的三張專輯稱作他們的三部曲，而這張專輯則探索了新的方向，音樂元素也更加多元。

　　Coldplay的Cold味兒似乎消失殆盡，取而代之的是節奏感更加強烈的編曲、更加多元的歌詞主題；你會感覺到比起以前的獨立樂隊味道，這張專輯的歌曲氣勢恢弘了許多，也更加適合大合唱。

　　開幕曲《Life in Technicolor》是在前三張專輯中都不曾有過的純器樂作品，loop式的創作方式也是電子樂常見的做法，Chris 的幾聲「喔哦哦」也讓人感覺熱血不已。

　　專輯標題曲《Viva La Vida》成為 Coldplay 的首支排行榜冠軍單曲，知名度完全不亞於《Yellow》。

　　這首歌可以説是絃樂存在感最高的一首歌曲，但直接點燃人們情緒的，還是 Chris 的那幾聲「喔嗚哦哦哦」。

　　即便是《42》這樣有着冷感的旋律線，在進鼓之後，也一步一步變得歡脱起來，進化成人們喜聞樂見的「好蹦風」。

　　但這張專輯不只是把一支獨立樂隊變成體育館搖滾，每首歌曲都有着不一樣的感覺。

　　在美國藝術搖滾樂隊地下絲絨的影響下，Coldplay創作出了《Yes》。這首歌裏充斥着迷幻的絃樂，Chris也反常地使用低音演唱，和之前標誌性的假聲形成鮮明對比，有着不一樣的辨識度；

　　在歌曲後半段的隱藏曲目《Chinese Sleep Chant》則受到Shoegaze名團 My Bloody Valentine的影響，厚重的吉他音牆貫穿始終；

　　而Chris轉而使用假聲演唱，並以大量的人聲和混響效果將其化作器樂的一份子，瀰漫在音樂之中。

　　《Strawberry Swing》則受到了非洲流行音樂的影響，有着異域味道的吉他旋律，也更注重打擊樂的表現。

　　而《Violet Hill》幾乎是Coldplay搖滾味道最足的一首歌，儘管這是一首以 4/4 拍為主的歌曲，但在唱到「if you love me, won’t you let me know? 」的時候變成了 6/4 拍，而結尾的鋼琴伴奏則在 4/4、3/4、5/4、6/4 中不斷變換。

　　這張突破性的專輯大受好評，成為當年在全世界範圍內最暢銷的專輯，更是提名格萊美年度專輯獎，並最終獲得了最佳搖滾專輯獎。

　　而《Viva La Vida》這首歌，最終則獲得了年度歌曲獎，以及——最佳流行表演獎。這也象徵着 Coldplay 從獨立音樂圈邁入主流市場，成為街知巷聞的大明星。

　　嚐到了甜頭的 Coldplay 決定再次與Brian Eno合作，而這一次他們做出了脱胎換骨的改變。

　　歷時三年制作的第五張專輯《Mylo Xyloto》是一張反戰主題的概念專輯，而在音樂上則在體育館搖滾的底色上更進一步。然而，這一次樂隊的改變並沒有贏得所有人的喝彩。

　　作為樂隊轉折點的《Viva la Vida or Death and All His Friends》跟前三張專輯最大的區別，其實就在於配器上的多元化，而 Brian Eno 的做法正是使用更加豐富的音色讓樂隊的音樂變得如此不同。

　　然而，當你想起《Viva La Vida》的時候，你首先會想到的是 Chris 的「喔嗚哦哦哦」，然後是抓耳的絃樂。

　　但不管怎麼説，在上張專輯中Coldplay仍然沒有丟掉自己的特質，作為轉型也足夠出色。

　　而到了這張專輯裏，Coldplay的聲音在哪裏已經變得不再重要，Brian Eno 的氛圍感已經遠遠蓋過了樂隊本身。儘管他們還在彈吉他、彈貝斯、打鼓，但並沒有在乎他們在彈些什麼。

　　在這張專輯中，Cold味兒完全消失殆盡，甚至九成的歌曲都是樂隊和Brain Eno 共同創作的，其中最受歡迎的歌曲《Every Teardrop Is a Waterfall》甚至是十二個人一起寫的，樂隊究竟佔了多少的比例則不得而知。

　　這張專輯在商業上依然表現突出，發行當年就賣出800萬張，而《Paradise》也成為Coldplay在英國的第二支冠軍單曲。但無數老樂迷依然覺得他們只是稍稍地偏離了軌道，並寄希望於他們的下一張專輯。

　　然而作為一張在每張專輯上都要求變的樂隊，Coldplay 進行了全盤的電子化，找來Avicii、Jon Hopkins等電子音樂人共同製作，帶來了第六張專輯《Ghost Stories》。

　　如果説上張專輯還留了那麼一絲另類搖滾的影子，那麼在《Ghost Stories》裏連影子都看不見了。儘管樂隊試圖從萬人大合唱的音樂風格折返，轉而往迷幻電子的方向窺探。

　　然而還是同樣的問題——

　　專輯和時下電子音樂人的作品完全沒什麼分別，聽這張專輯還不如聽那些 DJ 的作品。

　　一再追求突破的Coldplay終於突破不動了。

　　時隔一年推出的第七張專輯《A Head Full of Dreams》，所有曲目都由樂隊和曾四度獲得格萊美的雙人創作組合Stargate一起創作；

　　而這張專輯更是邀來了數量最多、風格跨度最廣的合作藝人：從R&B天后Beyoncé、前Oasis 吉他手Noel Gallagher到福音歌手Merry Clayton 再到美國前總統奧巴馬……

　　既然音樂在深度上既然難有突破，那麼就在廣度上強行突破吧。

　　在這張專輯裏，Coldplay不僅回到了體育館搖滾的路線上，並且還嘗試了不少不同的風格：Disco、Funk、R&B、福音音樂——但甭管什麼風格，甭管適不適合，統統一鍋亂燉地電子化，電子，電子，還是他媽的電子。

　　樂評人對Coldplay也不再客氣，忍不住發問：為什麼這麼無聊的作品會這麼火？

　　更狠的評價則稱這張專輯中最好的歌曲平淡到令人無法忍受，而最壞的歌曲則是完全令人反感。

　　從《Mylo Xyloto》到《A Head Full of Dreams》，Coldplay逐漸在迷失自己的方向：他們依然是那個想要不斷創新的樂隊，可惜他們丟掉了原本屬於自己的聲音，也沒有找到真正屬於自己的新聲音。儘管樂隊的音樂變得越來越宏大，卻也越來越空虛。

　　終於，也許是Coldplay也厭倦了喧鬧與繁複的音樂形式，他們終於從電子音樂的大染缸裏慢慢爬上來，再次注視着鋼琴和木吉他，重拾被擱置多年的項目，以雙唱片的形式發行第八張專輯——《Everyday Life》。

　　在《Everyday Life》中，Coldplay不像侷限於單獨的錄音室，而想要收集來自世界各地的聲音，於是在托斯卡納、洛杉磯、倫敦和南非的不同錄音室完成專輯的錄音；

　　而專輯則封面來自於Jonny的曾祖父所在的樂團Vic Buckland’s Dance Orchestra於100年前拍下的照片，經過後期製作將樂隊成員們的臉合成上去。

　　這讓《Everyday Life》在時間和空間的維度上都有了展開，呈現出非常完整的世界觀。整張專輯關照着人們的日常生活，也將目光投射到戰亂中的中東地區、尼日利亞西的南部城市，唱給全世界的人類。

　　Chris 則説：

　　「每一天都是偉大的，每一天都是糟糕的……每天的生活是我們對隨處可見的負面情緒的反應。有很多麻煩，但也有如此多的美好的事情發生。所以在某種程度上，它只是試圖讓事情變得有意義，説出我們的感受和看到的東西。」

　　而專輯的音樂性，也得到了十足的延展。

　　開篇的《Sunrise》是一首絃樂編曲為主的純音樂，有着濃厚的古典音樂色彩。絃樂的運用在Coldplay的歌曲裏早已不是什麼新鮮事，但卻從未展現出如此豐沛的情感。

　　反戰主題的《Trouble in Town》迴歸了四大件的搖滾編制，有着非常抓耳且飽滿的貝斯旋律。

​　　而歌曲還採樣了一段美國警察執法的真實錄音，這正是Everyday Life這一主題的印證：這樣的事情不止發生在作為歌曲背景的中東地區，在世界的每個角落都在上演。

　　鋼琴作為主軸的《Daddy》則展現了Coldplay此前最為擅長的抒情特質，他們也終於重返應有的創作水平，即便只有鋼琴伴奏，Chris 的温暖聲線也足以讓人感動落淚。

　　即便是有着體育館搖滾味道的《Orphans》，在逃離花哨的電子樂編配之後，也變得順耳不少。

　　而更為出彩的則是 Coldplay 對多元曲風的探索，不再像上張專輯那樣試圖一鍋亂燉，而是讓它們都保持着應有的色澤。

　　《BrokEn》和《When I Need A Friend》以唱詩班的形式呈現出洗滌靈魂的福音音樂風格；

　　而早在《Mylo Xyloto》發行之前就創作出的《Arabesque》時隔十年終於重見天日，濃烈的自由爵士色彩結合阿拉伯音樂，有着非常特別的味道。

　　Coldplay 用這張專輯重新找回了他們應有的狀態，時隔十年再次提名格萊美年度專輯獎。

　　儘管最終鎩羽而歸，在我看來，他們完成了一張質量絕對不亞於《Viva la Vida or Death and All His Friends》的精彩專輯。

　　比起《Mylo Xyloto》，這張專輯才是一張概念專輯應該有的樣子，是一張真正立足於世界、也尊重音樂的好作品。

　　他們不再用那些浮誇的編曲來包裝自己真正想説的事情，終於敢於去直面一個越發骯髒和殘酷的現實世界，並依然熱愛這個星球。

　　既然已經在這張專輯裏關心了全人類的苦難，那麼下一步就只能心繫宇宙了。於是 Coldplay 將思緒放到太空中，開始了全新的宏偉藍圖，想要用音樂建造一個太陽系。

　　在這樣的願景下，太空主題的第九張專輯《Music of the Spheres》發行，並且還有一個副標題：「Vol I. From Earth with Love」。

　　在專輯發行前，Coldplay首先發布了長達十分鐘先行單曲《Coloratura》，是 Coldplay 迄今為止發行過的時間最長的一首歌。

　　這首雜糅前衞搖滾、太空搖滾與數學搖滾的史詩實在是太過欣喜，展現出非常驚人的複雜結構，同時保留了十分出色的旋律，也不乏對古典元素的運用，還兼具體育館搖滾的宏大氣勢，可以説是一首集大成之作，直接拔高了人們對於整張專輯的期待。

　　「收音機裏沙沙作響的靜電噪音，有 1% 在物理學家聽來是優美的音樂，因為這是大爆炸中被拉伸的光。這個聲音就是宇宙起源時，第一束光奏響的樂章。」

　　滾石雜誌如此評價這首歌：「這可能是Coldplay有史以來最令人眼花繚亂的作品，是一次Pink Floyd式的大膽實驗，他們的音樂中創造着特定氣氛和情緒的藝術。」

　　然而，整張專輯釋出之後，人們的期待終於落空——《Coloratura》佔了整張專輯 1/4 的長度，而剩下的 3/4 則和太空搖滾關係甚微。

　　從地表飛往太空，繼續互換大愛的Coldplay 也並未延續《Everyday Life》的簡約風格，又一頭扎進電子音樂的染缸裏，重新回到混亂不堪的創作狀態中去。

　　而所謂的太空概念、哲學內涵似乎也只是個空殼。而在這個空洞的概念下包裝的，則是樂隊在商業上繼續前進的野心——專輯中的許多歌曲都使用了 emoji 表情符號，力圖貼近時下年輕人的生活；

　　而樂隊更是遠赴韓國找如日中天的BTS合作了《My Universe》，收割了巨大的流量，登上各大排行榜冠軍，對於兩個團體來説，可謂是雙贏。

　　一向不待見 Coldplay 的英國樂評雜誌 Pitchfork 對這張專輯的評價更是一針見血：

　　「這張專輯有一個鬆散的科幻概念，關於遙遠的太陽系，Chris Martin 説他從《星球大戰》中找到了靈感。但這張專輯更像是該系列的前傳:誇張、卡通化，似乎是為8歲兒童製作的。」

　　其實從《Mylo Xyloto》開始，Coldplay 就説這可能是他們做的最後一張專輯了。

　　從 90 年代一路走到今天，Coldplay真的不容易：首張專輯就有了紅遍全世界的大熱金曲，第二張專輯更是難得的創作巔峯，而此後的每一張專輯，不論結果是好是壞，他們都在不斷地突破自我，追求創新。

　　如今他們宣佈再發三張專輯就不再推出新專輯，我絲毫不意外，甚至還會懷疑他們的創作力究竟夠不夠撐到再發三張專輯。

　　如果他們不是這麼一支嚴格要求自己的樂隊，大可以發上好幾張《Parachutes》式的清新小品，相信依然會有大量歌迷買賬。

　　他們大可以不去費勁去想破頭皮、甚至有點擰巴地嘗試不同的風格，但是他們並沒有。

　　然而正是因為如此，Coldplay才可以依然站在流行樂壇的一線，巡演持續賣座；而曾和他們分庭抗禮的Keane、Starsailor 等樂隊歷經解散跟重組，儘管還是有自己的受眾，在大眾視野裏卻早已銷聲匿跡了。

　　不管你喜歡也好，討厭也罷。

　　只要他們推出了新的作品，你還是會屁顛兒屁顛兒地跑過去聆聽，然後該誇誇、該罵罵。

　　也期盼他們的最後一張專輯《Coldplay》會是一張好作品。

　　-End-

　　今日互動：

　　如果Coldplay解散了，你會有什麼感覺？