有哪些作曲上的事實，沒有一定作曲知識的人不會相信？_風聞

　　隨着近幾年很多唱作類節目的播出，以及網絡上很多音樂自媒體的科普，流行音樂中相當重要的一環——作曲，開始被更多的聽眾瞭解。

　　很多聽眾已經可以自己嘗試着進行流行音樂的作曲，有的甚至還能夠寫出不錯的作品。

　　不過，這些節目或是科普，雖然讓更多的人瞭解到了什麼叫作曲，但是一些作曲上的冷知識，如果沒有經過許多的作曲積累，還是很難瞭解到的。

　　今天我們來盤點一下，那些在作曲當中的冷知識。如果大家要嘗試自己作曲的話，可能會有一些幫助。

　　作曲這件事本身並不難，難的是寫出高質量的曲子

　　我們先來看一個視頻，這是《無限歌謠季》當中，小嶽嶽和於文文幕後創作的部分：

視頻連接請戳

　　畫面裏於文文一邊彈吉他，一邊跟着吉他的和絃走向，哼唱着旋律。這個“找個調把歌詞哼唱出來”的過程，就是作曲。

　　吉他作為輔助，限定一個和絃框架，是更嚴謹的做法。其實拿掉吉他，對着歌詞哼唱，也是沒有問題的。

　　而“寫好歌詞然後隨便哼一個調”這件事，就是流行音樂裏對作曲最低的要求。這是很多音感正常的人，都可以做到的。

　　換言之，作曲這件事遠沒有很多人想象得那麼高深莫測，它並不難，反而門檻很低，很多普通人也都具備這種基礎的作曲能力。隨口哼個調有什麼難的，隨心所欲地哼就是了。

　　但是能做這件事，不代表能做好。

　　沒有樂理支撐，全憑感覺哼唱，一般都會有以下幾個弊病。

　　1、沒有節奏、律動概念，曲子很亂

　　我曾經就遇到過類似這樣的作曲，她哼的旋律線，走向還算比較正常，但是參差不齊，第一句2小節，第二句就變3小節了，第三句開始從四四拍變成了八六拍，完全沒有一個節奏概念，顯得非常雜亂。

　　稍微好一點的，可能能比較不錯地寫完一個主歌，但是到下一個段落，突然節奏加快，前一段還是很舒緩的，下一段突然變得很密集、激烈，不符合節奏張弛的規律。

　　2、走向違背常規

　　還有一種就是哼出的旋律走向，不符合正常的聽覺習慣。

　　自己隨便哼出個旋律，但是因為沒有旋律走向、和聲意識，哼出的旋律拐點很奇怪，該上行走向的時候突然掉下來，或者該下行的時候又突然拔上去，曲子聽着像坐過山車。

　　這樣的旋律，對應的和聲往往也跳脱出了那些正常的和絃連接。

　　3、很容易和別人撞旋律

　　如果能跨過前兩個門檻，那就進入了一個“至少能哼出一首還算像樣的曲子”的程度。

　　但這個階段，仍有一個最大的隱患，就是會很容易哼出不是自己的東西，而是很多其他歌曲的旋律碎片。

　　這種哼唱式作曲，實際上就是把腦海中聽過的旋律碎片，無意識地拼湊在一起，最多算是個二度創作。

　　而由於哼唱者缺乏對音樂的敏感性，經過自己腦海的重組，哼唱者往往聽不出來自己其實已經沿用了他人的旋律。

　　這也是絕大多數哼唱派做出的曲子不高的原因。

　　當然會有朋友反駁：徐佳瑩也在不懂樂理的時候，哼唱出了《一樣的月光》；吳青峯作曲也是靠哼唱。哼唱也是可以出好作品的。

　　這是沒錯的，哼唱也可以出好作品。但他們兩位的情況，還不太一樣。

　　吳青峯是具備非常深厚功底的，即使沒有樂器輔助，樂理知識對他而言也是瞭然於胸。這種時候，他就可以擺脱形式上的束縛，選擇自己最舒適的方式進行創作。

　　換言之，雖然形式都是哼唱，但是這是完全不同的境界。

　　至於徐佳瑩，只能説她真的是非常有天分的創作者。但即使如此，《一樣的月光》也不能代表她創作的最高峯，她也是經過了更系統的學習，後來才能寫出更優秀、更成熟的《身騎白馬》、《綠洲》、《大頭仔》等作品。

　　而對絕大部分初涉音樂的創作者而言，如果要靠這種哼唱式創作走下去，九成九都成不了徐佳瑩，只能是李袁傑、花粥。所以如果要想寫出高質量的曲子，還是建議先儲備一定的樂理知識，再進行創作。

　　作曲和作詞並不是完全割裂的兩部分

　　還是看剛才那段嶽嶽和於文文的視頻。中間於文文説岳嶽寫的歌詞，字數不統一。

　　背後隱含的態度其實是：歌詞不規整，也是會影響作曲的。

　　我們可以以杰倫的《青花瓷》為例，來看一下。不管是主歌還是副歌，每句的字數基本都是10~12字，非常規整。

　　因為歌詞的字數，對應的是旋律線的長度。

　　如果字數不統一，一會兒多一會兒少，旋律線勢必也是忽長忽短，這是違背正常聽感的。

　　很多音樂愛好者，是從寫歌詞開始嘗試音樂創作，然後想找作曲者幫忙作曲，所以可能會更看重歌詞的文字優美、內涵，這些。這些當然也很重要，但是歌詞除了閲讀這個功能，還有一個重要的作用，就是和曲的咬合。

　　如果歌詞每句的長度裏出外進，那麼作曲者為了遷就文字美，只能是犧牲曲的流暢性。

　　換言之，這種看似為了文字美感，而把字數寫得參差不齊的歌詞，實際上大大擠壓了作曲的發揮餘地。這樣做出的曲子，好聽的可能性很低。

　　這也是本末倒置的行為，歌曲歌曲，重點還是在一個曲字上。歌詞其實應該是輔助作用的。

　　在作曲當中，用簡單的思路往往更容易寫出好東西

　　很多經典的好歌，往往都有一句最抓耳最有記憶點的旋律。這種旋律的寫法往往並不刁鑽；節奏也並不複雜，而且重複的節奏型較多；組成音也比較少，可能只用了三四個音。

　　比如羅大佑老師的《戀曲1990》，最抓耳的副歌第一句，組成音只有4個，節奏也是在第一拍和第三拍，使用了相同的八分音符附點+十六分節奏：

　　朴樹的《那些花兒》，經典的“啦啦啦”，組成音只有3、5、6這3個，節奏也是十六分+切分音的重複使用：

　　游鴻明的《下沙》，最有記憶點的副歌第一句，4個音就寫出來了，整個副歌段落也基本都是重複第一句的節奏：

　　林俊杰的《黑夜問白天》，最抓耳的一句，也是用重複的節奏型+3個音就寫出來了：

　　周杰倫有一段很經典的三鍵成曲。即以3個音為主來寫旋律：

視頻連接請戳

　　周杰倫本身的旋律天賦就很高，所以他幾乎寫什麼都是信手拈來。但這個案例也可以看出，用一些很簡單的思路和元素，是可以寫出好聽抓耳旋律的。

　　事實上，周杰倫也正是“用簡單的思維就寫出優質旋律”的典型代表。他很多初聽就抓耳的歌，旋律就是這樣寫出來的。

　　比如《我的地盤》，副歌每一句都是2~4個音就寫出來：

　　《斷了的弦》，最好聽抓耳的部分是過渡段“我突然釋懷的笑”那部分，每一句幾乎也都是3個音就寫成了，而且節奏高度一致：

　　為容祖兒創作的《小小》，最抓耳的副歌第一句，就是個節奏均勻的持續上行再下行回來：

　　所以寫好聽的旋律，其實不必一味追求複雜和所謂的高級，用簡單的創作思路，反而更容易寫出好東西。

　　節奏是最能夠體現歌手鮮明風格的要素

　　作曲三要素中，節奏是比和絃、旋律更能夠彰顯歌手個人風格的要素。

　　愛在和絃上面做文章的唱作者，比如方大同、陳綺貞、李榮浩等等，懂音樂的人更容易聽出來他們較之常規和絃所作出的變化，但是這有一定門檻，一般聽眾不容易聽出來；

　　旋律型的唱作者，比如周傳雄、張宇、陳小霞等，他們寫的歌非常優美，但是也總覺得還是少一個特別具象化的風格標籤。

　　但節奏不一樣。典型如周杰倫、李宗盛、五條人等，你一聽就知道，這就是他們的風格。原因就在於，他們在節奏上做文章，形成了自己獨特的斷句習慣、歌詞表達方式。

　　周杰倫不必多説了，他的招牌就是將很多段落用似説似唱的方式演繹出來，在旋律和説唱之間非常流暢地無縫銜接。

　　李宗盛，他的特色是節奏和歌詞字義的斷句、抑揚頓挫非常一致，而且比較隨性、多變，更像是一個人獨自喃喃自語的感覺。比如現場唱過的《漂洋過海來看你》、《夢醒時分》等，一聽那就是李宗盛的風格；

　　還有一種就是在一些關鍵的拍子上，將音符進一步分割，非常快速地閃過。比如《我終於失去了你》：

　　五條人愛用密集的節奏，以及短促的切分、延音、連音等等，讓旋律產生一種似説似唱的感覺。

　　對比一下伍佰版的《Last Dance》，和五條人版的，這種感覺就會非常強烈。

視頻連接請戳

　　伍佰的原版，都是節奏均勻的八分音符，很平穩：

　　而五條人版的，將節奏切分成十六分音符，更有舞的律動感：

　　還有比較典型的如《道山靚仔》，主歌有很多快速密集的口語化處理：

　　這些歌手在節奏上的處理，是他們的作品，一聽就是他們的風格的根源所在。

　　旋律好記≠旋律優秀

　　很多優秀經典的歌曲，往往都有至少一句旋律，具有很深刻的記憶點，能夠讓人聽一遍就過耳不忘。這種精華旋律，是好歌能夠流傳起來的一個重要因素。

　　但是反過來，有記憶的記憶點。

　　就好比芥末的味道，可能更容易讓人印象深刻；但深刻不代表好吃，正經吃飯的時候大多數人還是更偏愛蔬菜的味道。

　　旋律的組合理論上是無限的，但好聽的旋律組合是有限的

　　很多人寫旋律多了，可能會有疑問：用各個音排列組合出旋律，會不會有一天，旋律是會被排列組合完寫盡的？

　　被寫盡的可能幾乎不存在。一個音組12個音，再加上那麼多的節奏排列方式，以及小節數不同可能延伸出無數的可能，這麼算下來，音與音能夠組合出非常龐大的動機數量。

　　但是我們在聽歌的時候，還是經常會感覺：這首歌的這一處，好像在別的歌裏也聽過。很少有歌曲，幾乎全程一點都不撞別人的旋律。

　　為什麼明明有那麼多的旋律組合方式，很多作者還是要用別人用過的呢？

　　這是因為：在看似無窮無盡的旋律組合之下，真正能達到好聽這個標準的組合方式，非常有限。

　　比如4這個音，就很難用在開頭。有的話大部分也是下行接3：

　　4下行接別的音開頭的，我印象裏沒聽到過；上行的更是少之又少。這是由這個音的性質決定的。

　　同理7開頭的，一般就是上行接個1：

　　至於#1、3♭、#4、#5、7♭這幾個音，基本不可能拿來開頭。因為就不好聽，很難展開去寫旋律。

　　所以，雖然組合理論上是無盡的，但實際上，光是達到“能聽”這個標準，就已經篩掉了相當一部分旋律組合。好聽的當然就更少。

　　所以現在樂壇整體的旋律質量不算很高，一部分是環境問題，另一部分問題來自於多年創作帶來的瓶頸：很多好的旋律，已經被前人寫完了。後人再想創造出更經典的旋律，是很困難的。

　　其實作曲真的是一件非常有意思的事。它看似神秘，但其實很多人都能做，可要想真正做出好的東西，也絕不容易。

　　作曲是一種把內心感覺，用音樂表達出來的能力，需要後天的技法學習，但也需要感性的抒發。所以不是多努力學習，就一定可以寫出好聽的曲子。

　　嚴格來講，作曲也沒有對錯之説，它更應該被稱之為合不合適，好不好聽。但因為這個標準是因人而異的，所以也沒有什麼硬性的規定，就要寫成什麼樣子才是對的。

　　這些作曲上的冷知識，希望可以對想作曲的朋友有所啓發。