看了《雷神4》，我發現迪士尼的“大男孩們”正在把漫威電影變成玩具工廠..._風聞

　　相比於喚起“復聯御三家”的回憶，影迷們似乎更熱衷於在《雷神4：愛與雷霆》（以下簡稱《雷神4》）裏找槽點，以此為樂。

　　不可一世的奧林匹斯之王（羅素·克勞 飾），成了極不靠譜的“小丑”。

　　不是穿網球裙、踱小碎步下樓梯；

　　就是狂耍“閃電五連鞭”。

　　神界大佬“天橋賣藝”也就算了，上場沒一會兒便被插個透心涼？！

　　結尾一羣小屁孩“變成光”，拿布娃娃打怪獸，不拿《孤勇者》當BGM都可惜。

　　同樣是上部導演塔伊加·維迪提執導，《雷神4》的口碑堪稱“撲街”：

　　《雷神3》IMDb 7.9分、爛番茄新鮮度93%、Metacritic專業評分74；

　　到了《雷神4》，IMDb 6.5分；爛番茄新鮮度僅64%，暫居MCU口碑倒數第二；

　　Metacritic只有57分；某瓣評分直接不及格。

　　同導不同命，《雷神4》的失利為哪般？

　　MCU第四階段，透露出漫威、乃至迪士尼怎樣的重大策略變化？

　　昨日歡笑，今日憂傷

　　雷神本無常

　　面對屠神者格爾（克里斯蒂安·貝爾 飾）的弒神危機，索爾（克里斯·海姆斯沃斯 飾）與獲得雷神之力的前女友簡·福斯特（娜塔莉·波特曼 飾）一致對敵。

　　塔伊加·維迪提接棒“雷神”系列後，一改三幕劇沉悶敍事，輕鬆明快的喜劇風貫穿始終。

　　人物塑造上，索爾逐漸“銀護化”，把暴風戰斧當掃帚騎，神界王子成了鄰家大男孩。

　　雖説《雷神4》“爆米花指數”逆襲，但過度娛樂化也為本片“媒體口碑崩盤”埋下伏筆。

　　首先，搞怪喜劇風，與厚重的主題不符。

　　早在《雷神3》，這一矛盾便已凸顯：

　　洛基、浩克、女武神插科打諢，伴隨齊柏林飛艇的搖滾樂，消解了國破家亡的悲壯主題。

　　△ 《雷神3：諸神黃昏》

　　到了《雷神4》，無論是格爾殺遍九界的弒神宣言，還是宙斯的綏靖態度，都讓神的地位一落千丈。

　　本應集悲劇、批判於一身，誰知快節奏的漫畫式剪輯對格爾弒神動機交代不足，加之台詞打嘴炮，厚重感驟減！

　　其次，過於碎片化的情節毀掉了紮實的戲劇基礎。

　　《雷神4》中，馬特·達蒙、“錘哥”兄弟盧克·海姆斯沃斯、梅麗莎·麥卡西共同演繹關於阿斯加德的話劇。

　　這段戲中戲，暗示了影片對傳統戲劇框架的顛覆。

　　首部《雷神》的導演肯尼思·布拉納從第一部就奠定了該系列的戲劇基調，將古典敍事融入奇幻影像。

　　△ 《雷神》導演肯尼思·布拉納

　　敍事結構與角色衝突吸取了莎翁戲劇的精髓，框架沿用了《亨利五世》的設定：一個玩世不恭的王子，經過一番歷練，改變了浪蕩的習性，揹負起家國重任。

　　相比之下，塔伊加·維迪提更注重好玩的影像表達，一系列去戲劇化的操作，使劇情、人物漏洞百出。

　　△ 《雷神》3和4的導演換成了塔伊加·維迪提

　　再次，詼諧的人物形象，使角色性格與前作不符。

　　索爾經歷父母喪命、兄弟永隔、國破家亡後，還要忍受與患癌女友的分離之苦。

　　本應在痛定思痛後獲得成長，然而影片卻花大量鏡頭描繪索爾跟暴風戰斧、“喵喵錘”打情罵俏，至於虐戀情節則一筆帶過。

　　在“終局之戰”硬剛滅霸的男人，卻在《雷神4》中被塑造成一個嘻哈大男孩，消解了男性中年危機厚重的心緒與意義。

　　從娛樂至上到娛樂至死

　　“塔導”到底怎麼了?

　　不少人把《雷神4》的失敗歸結於導演塔伊加·維迪提的不節制。

　　熟悉“塔導”的影迷不會陌生：

　　**娛樂至上，是他的風格；**倘若玩脱了，就會變成娛樂至死。

　　△ 塔伊加·維迪提（左）

　　先説“塔導”最顯著的風格優勢——娛樂至上。

　　故事角色、影像編排妙趣橫生，具體表現在三個方面：

　　其一，以現代敍事呈現歷史向命題。

　　電影《吸血鬼生活》通過偽紀錄片的形式，以略帶惡搞的“真實”影像，聚焦古典魔靈。

　　△ 《吸血鬼生活》（2014）

　　《喬喬的異想世界》通過兒童與心中的“元首”對話，反映出極端民族主義對孩童的影響。

　　△ 《喬喬的異想世界》（2019）

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　　其二，真實有趣的人物。

　　主角多是些孩子，或“大齡兒童”。

　　《追捕野蠻人》《喬喬的異想世界》主人公就是孩子，主視角也是孩童：

　　以孩童的視角闖蕩叢林；以孩子的視角審視二戰時期的德國。

　　△ 《追捕野蠻人》（2016）

　　《吸血鬼生活》裏的吸血鬼更像是鄰家大男孩，成天宅在家，行為冒傻氣。

　　△ 《吸血鬼生活》（2014）

　　同時，通過消解權威感來聚焦人性，從而突出角色生動有趣的性格特徵。

　　中二元首、吸血鬼，以及《雷神3》中老頑童式的宗師，都將歷史人物、神性角色包裝以人性。

　　△ 《雷神3：諸神黃昏》（2017）

　　其三、玩梗，迷影向致敬。

　　《追捕野蠻人》就有不少迷影梗：少年勇闖叢林暗指《第一滴血》，於樹下躲避追捕致敬《指環王》，結尾還不忘cue一下《終結者》……

　　同時，警車荒野追捕孩子的戲碼，不僅致敬《末路狂花》《勇敢的心》，還傳遞出自由的主旨。

　　△ 《追捕野蠻人》（2016）

　　“塔導”此前作品不僅有趣，還有情。

　　然而其中也存在一些問題，被放大後直接導致娛樂至死。

　　其一，好點子流於表面，邏輯經不起仔細推敲。

　　《喬喬的異想世界》裏的“元首”，並非小男孩主觀精神產物，而是一個客觀精神載體。

　　他的形象扁平化，並沒有隨小男孩心態的轉變而變化。

　　△ 《喬喬的異想世界》（2019）

　　男孩母親甚至説出“盟軍佔領意大利，接下來就是法國，戰爭就要結束”這樣的話。

　　其二，拼貼、戲謔無下限，電影“段子化”。

　　玩梗、金曲串燒、光怪陸離的影像，均符合現代藝術的拼貼特性。

　　藝術發展至今，內容選材趨於飽和，創作者只能從形式上力求改變。

　　拼貼作為一種技法被運用到創作，但同質化內容使原創性大大降低，更多是元素大雜燴，觀眾必然會感到疲憊。

　　《雷神4》石頭人拿索爾女友簡·福斯特名字開涮，此類戲謔、調侃多與主情節無關。

　　△ 《雷神4：愛與雷霆》（2022）

　　塔伊加·維迪提是個名副其實的**“大男孩”**——內心留有童真，以玩樂的心態對待世間萬物。

　　但過度娛樂化又使他在敍事上顯得不那麼嚴謹。

　　其作品更像是東一榔頭西一棒的元素拼湊，難怪網友們逐漸理解了馬丁·斯科塞斯：

　　迪士尼“大男孩”們

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　　電影玩具化、主題樂園化

　　一句**“漫威拍的不是‘電影’”**，將馬丁·斯科塞斯推上風口浪尖。

　　再看後半句，結合MCU第四階段，驚歎老爺子的前瞻性：

　　“它更像主題樂園。”

　　△ 微博@守望好萊塢 譯馬丁·斯科塞斯文《我説漫威電影不是電影，讓我解釋》

　　的確，迪士尼找了一羣“大男孩”來搭建主題樂園。

　　△ 左至右：塔伊加·維迪提，詹姆斯·古恩，山姆·雷米

　　塔伊加·維迪提第一次在漫威電影中引入虛擬製片影棚，綠幕被虛擬LED背景替代，使成片更加真實可信。

　　△ 《雷神4》用到了《曼達洛人》的虛擬製片技術

　　“滾導”詹姆斯·古恩利用六七十年代金曲串燒、神經質組建廢柴聯盟、豐富酷炫的宇宙格局，主打娛樂版太空歌劇，在《銀河護衞隊》中將詼諧有趣的反英雄模式貫徹到底。

　　同樣以B級片出道的導演山姆·雷米在《奇異博士2：瘋狂多元宇宙》中，憑藉千手喪屍博士、聖所音符大戰、路燈猛戳大眼怪等惡趣味畫面，刺激觀影體驗。

　　然而，這些“好玩的小巧思”並沒有帶來敍事上革命性的創新。

　　山姆·雷米因“沒完整地看過劇集《旺達幻視》”的發言引發質疑，這也是兩部作品中旺達人設不連貫的主要原因。

　　但不得不承認，這些“大男孩”們在把孩子般的快樂傳遞到銀幕外。

　　一方面，他們用強烈的視聽刺激讓觀眾們在影院裏獲得過山車般的體驗；

　　另一方面，他們為迪士尼努力打造暢銷的玩具、給樂園的新遊樂設備提供新鮮的創意。

　　△ 迪士尼推出的“阿戈摩托之眼”玩具

　　△ 迪士尼樂園的全新過山車項目“銀河護衞隊：重返宇宙”

　　對如今的漫威電影宇宙而言，作品不僅要講故事，更重要的是，它要具有遊樂思維，要好玩，要快樂！

　　這也導致漫威電影現在呈現出以下明顯特徵：

　　01

　　作品玩具化

　　影像花裏胡哨、光怪陸離，故事乏善可陳。

　　就像一件漂亮的玩具，並不注重實用價值。

　　02

　　情節熱搜化

　　不再強調角色內在邏輯，情節碎片化，找彩蛋比講故事更重要。

　　《雷神4》索爾背部關於洛基的紋身，能引起CP粉的尖叫、能上熱搜就夠了。

　　03

　　創作冷飯化

　　為引出後續角色無所不用其極，對人物的鑽研和對敍事的打磨明顯有些漫不經心。

　　《黑寡婦》主打回憶殺，《尚氣與十環傳奇》只為擴展宇宙。

　　也許正應了迪士尼的財報，“經營遊樂園”是主營業務，“拍電影”是副業。

　　迪士尼制下的漫威電影宇宙，越來越展示出**“玩具與主題樂園基因”**，找到一大幫“大男孩”來生產新玩具，建築新遊樂設施。

　　主題樂園重在驚險刺激的體驗，而電影側重於人性思考。

　　以凡人之軀比肩神明的鋼鐵俠，掙扎於自由與秩序間的美國隊長，他們扛起MCU的過去，可如今……

　　最早的MCU真就一去不復返了嗎？

　　或許，正如馬丁·斯科塞斯説的那樣：

　　我能想到的最接近它們的東西——製作精良，演員們在那些特定情況下做到最佳——是主題公園，而不是演員們努力去向別人傳達情感和心靈體驗的電影。