他回來，b站和票房一夜瘋了_風聞
Sir电影-Sir电影官方账号-03-25 08:44
作者 | 毒Sir
本文由公眾號「Sir電影」（ID：dushetv）原創。
新海誠時隔三年後來到北京。
人氣依然高漲，新片《鈴芽之旅》在中國內地預售票房就破億，今天上映首日拿下票房冠軍。成為春節檔後表現最強的引進片。
新海誠本人路演的視頻也刷爆了。
標誌性真誠的微笑、禮貌的鞠躬，以及即使不用翻譯也讓極度舒適的話癆發言，隨身攜帶一把“破椅子”，又萌又暖。
似乎新海誠沒怎麼變。
他的前作《你的名字。》《天氣之子》都曾在內地風靡，電影梗不斷破圈，新海誠幾乎一度成為“小清新”“治癒系”代言人。
但這一次，他提到最多的一個詞是**“災難”**。
他的笑像他的電影一樣，畫風絕美，敍事輕盈，結局治癒，卻總是細緻包裹着不忍袒露的殘忍。
新海誠説，《鈴芽之旅》裏藏着自己疫情三年的一些感觸。
好奇了。
《Sir電影》和新海誠見了面，聊了聊，在春天的北京，試圖窺見新海誠所經歷的寒冬。
新海誠並未迴避——
他坦言自己身上某些東西在變化，在鬆動。
所以。
憋着一肚子話，要通過作品和觀眾説説。
△ 新海誠導演特地為中國觀眾手繪的海報
新海誠是《Sir電影》在疫情後見到的第一位外國導演。
沒想到他比我還放鬆。
上來就説，前一天剛嘗試了白酒，喝得有點多，今天睡到了（不得不起牀工作的）最後一分鐘。
嘖嘖，很入鄉隨俗了。
△ 《Sir電影》的獨家近照
心情不錯，或許是作品帶來的信心。
《鈴芽之旅》去年底日本上映，票房超142億日元（約合人民幣7.38億），位列日本票房史總榜第11名（第12名是宮崎駿的《起風了》）。還是繼《千與千尋》之後，時隔21年再次入圍柏林電影節主競賽單元的日本動畫電影。
劇情，也是熟悉的“新海誠”風——
女高中生鈴芽，偶遇男大學生草太，兩人被捲入一連串關於神秘的“門”的任務中。
門都在地震後留下的廢墟里，接連打開，威脅着國家的安全，他們要做的就是追尋和關閉這些門。
高中生拯救世界，愛情、奇幻、感人、絕美畫面……
《鈴芽之旅》似乎又是新海誠“集大成”之作。
行。
就從這個問起——
（前方輕微劇透，不影響觀影，介意的毒飯歡迎先收藏，看完片子再來~）
01
又雙叒叕是災難片？
新海誠：人們好像因為疫情嚴重，就忘記了過去的災難，但災難是不能夠被忘記的
《鈴芽之旅》是新海誠“災難三部曲”的終章。
繼隕石衝撞（《你的名字。》）、氣候異常（《天氣之子》）之後，導演終於把視角轉向了日本民眾最常見的地震災害。
尤其是相比較之前幾部的影射，他直接挑破：
2011年3·11東日本大地震與災後心態。
他依然沒有把災難拍得煽情、悲苦。
而是用兩隻分別叫做“大臣”和“左大臣”的白貓黑貓、一扇扇看起來最普通不過的門，和一個逝去之人所在的“常世”，連接起了人、神、自然、世界，生命與死亡。
貓咪指引着鈴芽奔向災難發生的地方，通過廢墟中的門，見證昔日的繁榮和温情，而只有關上門，才能隔絕未來的災禍。
看到這樣一部災後重建主題的治癒系電影，有一種難以言説的應景。
導演很直率地給這些意象做了詳細解釋。
新海誠：
我最開始構思“貓”這個形象的時候，是想到在日本鳥居的門口，會有兩隻狛犬（類似於中國的石獅子）。
它是左邊一隻，右邊一隻，一共兩隻，那我覺得我的電影中也是需要的。
另外一方面就是這次描寫的是自然災害，我要有一個自然的象徵，我就在想，什麼東西可以代表自然。
狛犬是狗，但大自然有的時候是心情捉摸不定的，可能貓就比較合適。
最初設計“門”這個概念的時候，我會有點擔心，因為它是一個非常普通、常見的東西。比如説哆啦A夢裏面就會有任意門，皮克斯的電影《怪獸電力公司》中，也有門。
但後來我還是認可了“門”的想法。
它是一個日常的象徵，每一次我們出門，可能就會一開門，説“我走啦”，等到回來的時候，又會説”我回來啦”。
日本人有這樣的習慣，每天出門的時候都要説一句“我去去就回”。所以它其實是一種和家裏人的約定，而且是一個日常的約定，你每天都會不斷地，反覆重複這個約定，其實是一個約定的累積。
但是自然災害會把這種約定的累積割斷了。
所以我覺得在呈現自然災害和日常的關係時，用“門”就很合適。
我在開始寫劇本的時候，正好趕上了疫情，所以當時我想，是不是要寫一下關於疫情的主題。但是已經有很多人都在想這個主題了，很多漫畫、小説，現在都在出版，還有藝人也在寫疫情主題的歌，所以我想，那是不是我可以重新再去思考一下這個內容。
當然疫情是非常嚴重，但是我就感覺，12年前也有過一次非常大的自然災害，可是好像由於大家覺得疫情太嚴重，那場大災禍離我們就越來越遠了。
雖然可能類型不太一樣，但我想説，過去大家經歷過的這種災難是不能夠忘記的，所以這次我又把它重拾起來。
前幾年，疫情嚴重的時候，東京某種程度上就像是一種輕度封城的狀態，馬路上都沒有人。
可有一次我出門散步，那時候正好是春天，我看到櫻花開了，它並沒有感受到人類是怎麼樣的。
人類受到這麼大的衝擊，但是對櫻花一點影響都沒有，它們還是在開，完全就沒有人在看它，它依然是那樣開放的。
△ 《秒速五釐米》（2007）
比如説你幻想星空很美，嚮往星空。
但是你只靠星空是活不下去的，再或者比如説像沙漠、海，這些風景也很美，但是你光在海上，光在沙漠裏也活不下去。
可能在某種意義上來講，大自然是很殘酷的，也是很悲傷的。
但是我們依然在嚮往這種美，我覺得這可能是一種人對自然的單相思。
02
又雙叒叕是青春純愛？
新海誠：少女和美男的戀情過於理想主義，我主要想講一個成長的故事
影片一開頭，當男女主角那個命中註定般的浪漫回眸一出現，Sir心裏就一咯噔：這不會又是個一見鍾情的俗套故事吧！
很快打臉。
誰能想得到，片中男主角絕大部分時間的形態，都是一把三條腿的兒童椅……
跑起來的時候，長這樣👇
女主親他的時候，這樣👇
嗯，很純愛，但好像又不那麼純。
這把椅子是鈴芽小時候，母親給她做的玩具，隨着母親的逝去，鈴芽的成長，椅子就在房間裏落了灰。
男主角草太本是位白衣飄飄的帥氣大學生，因為救鈴芽受傷，到她家敷藥，不小心被咒語困在了椅子當中。
不過，為什麼偏偏是椅子？
用椅子代替男主，真的沒問題嗎？
而這個創作，其實是導演自己夾帶的“私貨”，既是一種商業選擇，也和他的成長經歷有關。
新海誠：
我電影的主題是描寫自然災害，但是在商業電影當中，我們要考慮怎樣去娛樂觀眾，讓觀眾覺得這個事情還是比較活潑、明快的，所以在我就想到給鈴芽搭配一個可愛的元素。
我小的時候，父親幫我親手做過一個木椅子，也不能説是椅子，就是一個小凳子一樣的東西，特別是在上面還寫上了我的名字。
那個時候我就覺得特別開心。現在回想起來，其實對一個孩子來講，有刻着自己名字的一個小凳子，就相當於是你自己專屬的一個可以存在的地方，甚至可以説像是自己的第一個家一樣的感覺。對小朋友來説，收到大人親手做的禮物，是非常開心的一件事情。
而往更深層探究，為什麼是三條腿？
原因也有兩個。
第一個原因，它缺了一條腿，是一種缺陷的象徵。
它象徵的是什麼呢？就是鈴芽自己的內心。因為鈴芽在大地震的時候，失去了自己的母親。
她的內心其實是有種缺憾的。
第二個原因是因為在動漫當中，有時候你需要給觀眾一種娛樂性。
四條腿的椅子太普通了，你做動畫，即使做各種各樣的形象，可能四條腿你都不會體現出來那種特別可愛的感覺。
那我就覺得三條腿，包括他的這個跑路的姿勢等等，在設計的時候都會很可愛。
男主角草太本來是一個美男子，但如果一直讓一個美男子和鈴芽這樣一個女高中生在一起的話，你就會感覺這個故事過於浪漫，過於愛情，過於理想主義。
這個電影其實主要想講的是鈴芽，她克服了自己內心的障礙，成長的故事。
我覺得不能單純描寫情愫，而讓鈴芽和一個人之外的東西產生交流，可以讓她更好完成她自己的蜕變。
所以，只能委屈男主了
03
又雙叒叕是小情侶拯救世界？
新海誠：我也關注社會
雖然經常使用純愛當底色，可新海誠的男女主角總要經過非凡的考驗：
《星之聲》裏，是地球與外太空的8光年；《雲的彼端，約定的地方》裏，是記憶的失落。《秒速五釐米》裏，是遙遠的路途；《追逐繁星的孩子》裏，是難以改寫的命數。
《你的名字。》和《天氣之子》，是時空與生死。
而男女主角的選擇，又往往關乎世界的現在和未來。
這種強烈的戲劇性在《鈴芽之旅》裏得以延續。
世界的命數依舊與一對男女息息相關，但不再有着“無能為力”的感覺。
同樣關乎生與死：鈴芽先是犧牲了男主，拯救了幾百萬人的性命，後來又企圖犧牲自己，挽回他的性命。
不過，導演也做了變化。
《追逐繁星的孩子》裏，女主角放棄了最後復活男主角的機會，並借他人之口告訴觀眾，只有活着的人是最重要的。
《鈴芽之旅》裏則借爺爺之口發出追問：用少數人的犧牲，換大多數人活下來，真的是一種榮耀嗎？
當《Sir電影》重複爺爺這個問題的時候，導演明顯遲疑了，但還是認真做了回答。
新海誠：
其實像這樣的一種悖論性的問題，或者是哲學性的問題，我不知道怎麼樣才能夠給出一個正確的答案。
我也沒有一個正確的答案，但是我總是感覺在這個社會上，其實多多少少都是靠少數人的犧牲來成就大多數人的，我有這樣的一種感覺。
當時正好是12年前，應該是《追逐繁星的孩子》這部片子快完成最後情節的階段發生的大地震。
通過這個地震，讓我感覺到，作為一個成年人，有的時候就是必須要接受你不能接受也不能改變的現實，會有這樣的一種無奈。
△《雲的彼端，約定的地方》（2011）
但後來就想，有的時候我就是不能接受，我到現在依然不能接受。
雖然我自己沒有在那場地震中受到太大的影響，但是有些人可能就失去了自己最寶貴、最心愛的東西。
你去跟他説，你説你要接受現實，他可能就接受不了。
所以這次在我的電影當中，就是想要去描述一些人，那種一直在呼喊着説“我就是不要接受這樣的現實”的感覺。
我自己的整個理念，也是不斷變化的。
我的作品初期，大家經常説我是“世界系”的代表。
但是提到“世界系”，應該是每個人對它的解釋都是不一樣的。它應該是個人和世界之間的一種關係，在個人和世界當中應該存在的是社會。可是我所描寫的這些人物大多數都是與這個社會沒有什麼直接關係，或者是與社會相脱離的代表，在我初期的作品當中，這樣的一些色彩是更加深厚一些。
△《雲的彼端，約定的地方》（2004）
為什麼我在初期的時候，這樣的色彩是比較濃厚的？就是因為其實我所描繪的這些主人公，他們都是在青春期。
我覺得青春期就是“世界系”。
如果你要去描寫青春期的人，他就是“世界系”的感覺，**也就是説在他們在個人和世界之間，沒有社會。**所以在這個過程當中，可能比如説作為學生來講，他就會產生煩惱，説我為什麼在這個世界上，我是怎麼來的，或者是他會有一些個人的疑問，包括一些友情、戀愛，或者是在他進入社會之前，還沒有面對過這個社會的時候，他和世界之間有種糾結。
所以我就覺得如果我的主人公是十幾歲、青春期，那我所描繪的是“世界系”的東西，就是很理所當然的一件事情。
不過我在這十年過程當中的作品，可能多多少少就是開始沒有那麼濃重的世界系的色彩了。
這是因為我要在所有作品當中關注社會了，特別是比如説像《你的名字。》《天氣之子》，還有這次的鈴芽之旅，都開始多少少有和社會的接觸。
這是因為其實我的觀眾在變化，我自己也在變化，特別是我的觀眾的年齡層也在逐漸的擴大。
以前都是二十多歲、三十多歲，男性為主，是我主要的粉絲和觀眾。但是現在你會發現，帶着小孫子的爺爺也會到電影院裏面去看電影。
我要如何去給更寬泛年齡層的觀眾來講故事，我就在一直思考這個問題，他們的興趣也變了，我的興趣也變了。
如何去講述人與社會之間的關係，我開始關注這些事情。
所以可以説在我這三部作品當中，社會的色彩會更濃一些。
04
真·集大成者嗎？
新海誠：deadline是最重要的
新海誠是當下最成功的日本商業片導演之一。
《你的名字。》在全球125個國家發行，累計票房收入3.83億美元，超過《千與千尋》的3.35億，成為當時日本電影史上票房收益最高的電影（這個記錄後來被《鬼滅之刃》打破）。
《鈴芽之旅》又講了一個比《你的名字。》內容更寬泛，也更深刻的故事。
顯然，導演對這部電影抱持了極大的信心和決心。
可即使是最成功的導演，想要每部片子都能合觀眾胃口，也並非易事。
從早期的“青春傷痕文學”到如今的社會批判。
新海誠一邊執着地描寫着情感的爆發；一邊又對人，對世界都進行新的思考。
當問他如何看待自己過往的作品，創作中又是如何平衡商業性和藝術性時。
沒想到導演非常坦誠——
“我做的都是商業片。”
新海誠：
説到每一部作品我想描寫什麼，都得等作品做出來之後，我才會知道它是什麼樣子，它是不是批判現實主義，或者別的。
但是下一次我想寫什麼，我還完全不知道，所以每次我都是這一部作品做完之後，就完全歸零，歸零之後我再去想下一步，我要去描寫什麼，至於下次得整個風格什麼的，我現在完全説不出來。
然後我都會看前面作品的表現，會站在前作的基礎之上，再去考慮之後，我要去做什麼，包括看大家對它的反應和感想。
《天氣之子》，您剛才講到它對社會的批判性會比較強烈，這可能是因為我在製作的時候，是在描述這些人對社會系統的反抗。
《鈴芽之旅》也並非完全沒有這種對社會的批判性，我描寫的所有的主人公，包括它在裏面出現的所有人物，每一個人都並不是社會的強者，而是社會的弱者。
像鈴芽，她是一個地震後的孤兒，然後她所遇到的那些人，比如説經營酒吧的留美，她其實就是一個單親媽媽，對吧？
像千果那個高中生，她是一邊上高中，一邊還要幫父母做家裏的事情，幹很多的活。
所以她們並不是在社會上特別強的人，不過雖然她們都是弱勢羣體，但是她們會非常強力地去支持鈴芽以及支持鈴芽的內心。
我想描繪的就是這樣一種氛圍，並不是國家在怎麼幫助鈴芽，而是説幫助鈴芽的其實是她身邊的人，這些社會上的弱勢羣體。
我做的都是商業片，這是一個大的前提，我擁有1000多人的團隊，電影也都是幾億的票房，我並不是做一個藝術片、文藝片，也不是説想要自我展現。
那肯定我要看市場，要看市場想要做什麼，市場喜歡什麼，在這個當中就是觀眾想要看什麼。
觀察觀眾想要看什麼，就是我自己的工作。
並不是説我一定要去妥協，説觀眾喜歡什麼，市場喜歡什麼，我就做什麼，我並沒有要去妥協，也從來沒有妥協過。
在這個過程當中，我自己，就是市場，我自己也是一名觀眾，我就會去想，我自己到底想要去看什麼，我覺得這其實和我説想要看市場喜歡什麼的想法是一致的，我要真正地去面對我自己的內心。
我覺得一方面在做商業片，一方面我要去做自我實現，進行自我價值的追求，這個是不矛盾的，而且我從來也沒有感受過這樣的矛盾。我自己想做的和我自己能做的，以及我所拿到的預算，以及我工作人員的能力，在這些條件的基礎之上，我會儘可能地去做到最好。
可能對於我作品的“作者性”來説，從外部客觀地看，會更清楚一點，對於我自己來説，deadline是最重要的， 我要遵守和觀眾約定，永遠不要過了這個期限。（笑）
05
如何應對變化？
新海誠：有時候我也不想幹了
新海誠是伴隨着互聯網大潮異軍突起的一代，從做獨立動畫時的親力親為，到如今和千餘人團隊合作。
從那個把“世界系”的戀愛故事講得細膩、憂鬱的阿宅，蜕變成走入國際A類影展，被譽為“宮崎駿接班人”的日本名導演。
這位不斷成長的藝術家，和作品一起見證着這個世界的變化。
當問起他如何應對互聯網時代的變化和衝擊之時，導演也很無奈。
新海誠：
我覺得無論是20歲、30歲、40歲還是現在的50歲，其實沒有什麼變化，工作依然這麼難，我有的時候也會在過程中迷失方向，一點都沒有覺得工作變簡單了。
到了我50歲，其實也是跟以前一樣，就是拼命的工作，即使有的時候會覺得這個好難，不想幹了，但是也得要拼命去做。
20年前，互聯網環境是非常開放的，同時，其實也是很混亂，但是就這種感覺讓我覺得特別的令人懷念。
現在不只是日本，世界的各個國家都變得越來越保守，而且在這個過程當中，大家其實都是覺得很難受的。
人之間的裂痕也變得越來越深，很多人開始變得越來越不能原諒別人。
國家的政治體系、經濟狀況也是不一樣的。
日本的經濟現在是不斷衰退，但中國的經濟還在增長。在這個過程當中，人生活的感覺就會不一樣。
北大首映會的時候，我覺得北大的學生們都特別的熱情，而且我能夠感受到，他們能夠感覺到我想要表達的情感。我覺得在這個意義上，就是好像包括我們中日兩個國家是鄰國，文化很相近，很相通。
不只是文化，還有這種情感上的這種能夠共通、交流的感覺，都給了我很大的鼓勵。
06
尾聲
大眾眼中的新海誠導演，和真實的他，還有不少距離。
比如粉絲津津樂道他早期作品的阿宅傾向，對於描寫愛情的執着，對於精美畫面的偏執等標籤。
但真實的他，還有更值得敬佩的另一面：
比如專業。
他的作品始終看得到強烈的環境刻畫，細緻的細節描寫，獨到的場景分鏡。
同時，他曾被詬病的人物畫法的粗陋，如今已蕩然無存。
他是新技術達人，在製作《雲的彼端，約定的地方》的2003、04年，由於美術團隊並非動畫業界科班出身，他親自教大家使用當時還並未普及的Photoshop。
早在十多年前拍攝《言葉之庭》時，他就想要用製作4K動畫了。
△《星之聲》（2002）《言葉之庭》（2013）
始終如一的敬業。
他沒有經歷過日本商業動畫體系內部慣有的晉升流程，而是直接憑藉獨立動畫《星之聲》得到業內人士賞識，後來直接做了劇場版監督。製作獨立動畫時積累的經驗讓他養成了親力親為的習慣，甚至配音都會親自或是拉上家人先做一遍。
而且對市場嗅覺靈敏。
《你的名字。》一定程度上填補了日本少女動畫劇場版的空白，在那以前，日本動畫電影裏更多的是如《哆啦A夢》的閤家歡，《火影忍者》《海賊王》之類的民工漫，和《名偵探柯南》之類的子供向，在此之後，同類題材又如雨後春筍般蓬勃起來。
以及，他會積極地與觀眾對話——
《你的名字。》之後，他注意到有觀眾批評故事是個騙局，説這只是個幻想，因為不能讓死人復生。
《天氣之子》之後，他觀察到有種普遍的聲音：當有數百萬人的生活將被男女主角的行為所影響時，你怎麼能不犧牲一個人呢？
“對我個人來説，這是一件非常有成就感的事情。”
“我認為這是動畫媒介所特有的東西，能夠在這種規模上與觀眾進行對話。動畫藝術家和觀眾之間有如此深的信任，這是幾十年來穩步建立起來的。”
“信任”。
Sir猜，這大概就是新海誠笑容背後藏着的東西，也是當下我們稀缺的品質。
雖然觀眾總有異見，新海誠看到，有人説他們非常喜歡這部電影，説他們想要的話語都在電影裏，也有些地震受害者説，在這樣一部娛樂片中描述一個真實的悲劇是不可接受的。
電影必然要接受市場、大眾的審視。
但我們觀影，又何嘗不是與主人公、創作者對話的過程。
而新海誠從不逃避或輕視這種議論，甚至用微笑和作品的温柔，主動發出信號——
來，我們聊聊。
對話是正視矛盾的開始。
信任，也並非全然將自己交給他人。
而是意識到自己與他人的割裂後，依然敢於將自己的偏見與侷限投向世界，然後催生一個更廣闊、包容的世界。
所以。
這種來自創作者的最真誠表達，雖然無法讓每一個觀眾認可或喜歡。
它依然有讓人走進電影院的衝動。
新海誠在這次對話中反覆提到的“災難”，其實在作品裏還藏着下半句。
越過黑暗。
我仍相信希望，相信櫻花，相信愛。
那麼你呢？
你相信什麼。
本文圖片來自網絡
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