富豪豪擲1億，為什麼首選“裸體女”畫？_風聞

最近藝術圈有個大新聞。

紐約佳士得拍賣會上，南非奶奶級畫家瑪琳·杜馬斯的《一月小姐》以1360萬美元成交，打破了在世女藝術家拍賣紀錄。

這幅相當顛覆的女性裸體畫，到底是在表達什麼？

為什麼裸體畫總能在拍賣場上拍出高價？

賣出天價的裸女畫，到底想表達啥？

《一月小姐》是一幅近3米高的女性裸體畫。模特留着金色短髮、化着濃妝，一隻腳套着粉色襪子，渾身散發着野性和力量感。

佳士得戰後和當代藝術副主席薩拉·弗裏德蘭德是這樣評價的：杜馬斯巧妙地展現了對女性身體形態的精準把握，同時將其從傳統的順從形象中解放出來，通過男性視角的歷史鏡頭，顛覆了女性裸體的常規認知。

這讓我想起2018年，英國藝術家珍妮·薩維爾的《Propped》在倫敦蘇富比拍出950萬英鎊，當時也是轟動一時。

一個肥胖的裸體女人坐立於畫中，雙手雙腳交叉，巨碩的身材佔據了全部視野，脂肪堆積的線條清晰明朗，筆觸有力，色彩鮮明，給人以強烈的視覺衝擊。

有意思的是，這兩位女藝術家的最高紀錄作品都是女性裸體畫，難道這個題材真的特別吃香？

我去翻了一圈數據，發現裸女畫確實值錢，堪稱藝術界的財富密碼。

根據《2024年巴塞爾藝術展與瑞銀集團環球藝術收藏調查報告》，女性藝術家作品在高淨值人羣收藏中的佔比已達44%，創下7年新高。

而具體到裸體題材，女性藝術家的高價作品幾乎全是裸女畫，比如杜馬、薩維爾，甚至已故的喬治亞·歐姬芙，她的《曼陀羅/白花1號》雖然不是嚴格意義上的裸體，但巨大的花朵也被解讀為女性身體的隱喻，拍出4440萬美元。

男性藝術家的裸女畫更是頻頻拍出天價。

莫迪利亞尼的《側卧的裸女》2015年以1.7億美元成交。

畢加索的《阿爾及爾的女人（O版）》以1.79億美元成交，至今仍是拍賣史上最貴的裸體畫之一。

中國藝術家常玉的裸女畫也總刷新拍賣記錄。《綠色背景四裸女》拍出2.58億港元，《五裸女》以2.66億港元落槌， 加上佣金3.039億港元。

裸體畫憑什麼拍出天價？這屆藏家到底在搶什麼？

為什麼裸女畫這麼值錢？

資本運作是必不可少的因素。

高淨值人羣的投資邏輯，其實和買股票差不多——稀缺性+話題性=高回報率。

資本運作的本質是通過操控稀缺性、敍事權和市場預期，將藝術品轉化為金融工具。

就拿《一月小姐》來説，買家魯貝爾家族是全球知名的藝術品藏家，他們收藏的5000多件作品裏，女性藝術家佔比逐年上升。

這種押注未來的策略，本質上是資本在提前佈局女性敍事的市場價值。

呈現社會議題也是裸女畫值錢的主要原因。

每一幅天價裸女畫，都是時代矛盾的切片。

當薩維爾在《Propped》裏畫出豐碩到誇張的身體、低垂的雙眼以俯視的目光挑釁般看向觀者時，她挑戰的是整個時尚工業塑造的完美女性標準，直面的是一直以來對投射在女性身體上的男性幻想。 

這種對身體自主權的爭奪，恰好撞上了#MeToo運動和身體平權浪潮，讓作品的意義不只侷限於單純的藝術品，更變成了社會宣言。

有意思的是，資本和社會議題形成了閉環。

當畫作被賦予符合社會議題的含義解讀時，它的文化價值就會飆升，反過來刺激市場需求。

説白了，資本在利用社會矛盾賺錢，而裸女畫就是這個遊戲的最佳載體。

顛覆性與爭議性，也是裸女畫被越罵越值錢的流量密碼。

越“不雅”，越能賣出天價，爭議性=曝光度=增值性。  

就像班克斯的《女孩與氣球》在拍賣現場自毀，其價格反而從104萬英鎊漲到了1850萬英鎊。

裸女畫也是一樣，莫迪利亞尼的裸女畫當年因為“色情”被警方撤展，生前作品無人問津，現在卻成了現代藝術的里程碑。

當一幅畫被貼上“禁忌”標籤，就等於擁有了病毒式傳播的基因。

莫迪利亞尼生前唯一一場個展的海報

藏家們砸錢買下的不止是畫作本身，更是其升值潛力，是藝術話語權更迭的期貨，是性別、資本、意識形態重新洗牌的入場券。

那麼接下來，咱再扒一扒：這些畫的作者，又是想借此表達什麼呢？

裸體畫到底在表達什麼？

裸體女性畫是藝術界的爆款密碼，從文藝復興的聖母到當代的叛逆肉體，裸體女性形象被反覆塑造，但背後的意圖卻天差地別。

在藝術史的大部分時間裏，男性畫家主導着裸體女性的敍事權。

他們對女性裸體的描繪，長期根植於西方藝術的理想化傳統。

比如在文藝復興時期，波提切利《維納斯的誕生》將女性身體奉為美與神性的載體，這種完美比例+聖潔氣質的範式延續了數百年。

到了現代主義時期，馬蒂斯在《舞蹈》中徹底顛覆了這種靜態美。

他用粗獷的線條和熱烈的紅色，讓裸體女性成為生命力的載體。

五個舞者手拉手圍成圓圈，肢體的扭曲與伸展打破了傳統裸體畫的優雅範式，彷彿在原始的狂歡中完成對生命本質的叩問。

這種對身體能量的釋放，暗合了當時人類對自由與解放的集體渴望。

畢加索的《亞威農少女》則走向另一個極端。

畢加索受到塞尚結構觀念的啓示，並結合非洲原始藝術中所獲得的靈感，採用了一種新形式在二維平面上表現三維空間，簡練的線條重新塑造空間，突破了傳統繪畫。

畢加索的本意是為了將放縱的慾望與死亡鏈接在一起，以警示那些縱慾的人們。

女性藝術家的裸體畫則往往帶有強烈的自傳性。

弗裏達·卡羅在《森林中的兩個裸體（地球本身）》裏，將自己描繪成兩個獨立的人物，在鬱鬱葱葱的綠色森林背景下，赤身裸體又交織在一起，暗示了卡羅自身身份的二元性，以及她性格中相互衝突的方面。

呈現社會議題、反男凝等也都是女性藝術家想表達的主要內容。

咱們前文提到的《一月小姐》《Propped》等都屬於這一類型。

男性畫家通過理想化或解構化的身體，探索人性與文明的邊界。

女性藝術家則以身體為畫布，書寫個體與社會的抗爭。

但或許裸體畫的終極意義，從來不侷限於性別視角，而是人類藉由肉體的表象，對生命本質進行的持續追問。

就像海德格爾追問“存在”的意義需要通過“此在”的分析，藝術史上每一幅裸體畫作，都是人類文明在不同時代對“何以為人”的視覺化應答。

畫布上的每一道筆觸都在重構着“身體”的哲學定義——它既是被凝視的客體，更是主體意識的延伸；既是物質性的存在，也是精神世界的載體。

當我們凝視這些穿越時空的軀體，看見的不僅是技法的變遷或觀念的更迭，更是人類試圖在有限的肉體存在中，尋找無限精神超越的永恆努力。

這，或許就是藝術留給世界最動人的寓言。