AIGC興起時代的手繪動畫電影 | 專訪《藝術學院1994》製片人_風聞

藝術究竟是什麼？

文 | 酸梅湯

編輯 | 羊羊、王加二

董子健、周冬雨、五條人、papi醬、黃渤、大鵬、白客、彭磊、賈樟柯、王紅衞、許知遠、王宏偉、畢贛、蔡康永……什麼電影可以把這些不同領域的大咖破次元集結到一起？

不是商業鉅製，也不是大導光環，而是一部非常藝術的動畫電影**《藝術學院1994》**。

△ 《藝術學院 1994》海報

本片由楊城任製片人、劉健執導，講述了在1994年，南方某藝術學院裏，一羣美術生和音樂生在那個理想又躁動的年代發生的種種故事，曾入圍第73屆柏林國際電影節主競賽單元，提名“金熊獎”，代表中國動畫電影站上了世界電影藝術的最高舞台。

從成片來看，在這個動畫越來越像真人電影的時代，影片以一種近乎執拗的純粹，用最“原始”的手繪風格，完成了一次對藝術與時代的雙重致敬。

其不僅因手繪質感的獨特美學引發關注，更因對90年代青年藝術理想的細膩描摹，讓觀眾重新回到30年前那個充滿了理想主義的時代。

△ 《藝術學院 1994》製片人楊城、導演劉健、配音演員仁科亮相柏林國際電影節（從左至右）

近日，極客電影（ID：Geekimovie）特別採訪了本片的製片人楊城，聽他講述影片背後的故事，以及他對藝術電影的深刻理解和未來展望。

製片人楊城

作為電影的製片人，楊城始終站在藝術與現實的交匯點上。

他既深度參與了本片從劇本到繪製、配音，再到上映的創作全流程，見證了導演劉健以近乎“一個人的戰役”般的手繪堅持，也以多年深耕藝術電影領域的經驗，嘗試着在這個競爭激烈的市場中尋找突圍的方向。

△ 《藝術學院 1994》一部現實主義手繪二維動畫電影

藝術究竟是什麼？

這場訪談中，楊城沒有用宏大的理論定義藝術，或許正因為藝術的“無法定義”，才讓它煥發出最本真的魅力。

同時，他也沒有迴避創作中的艱難，反而在疫情三年的停滯與復工、手繪動畫的耗時與堅守中，展現了藝術電影人的韌性。

他更是坦誠講述了藝術電影在當下的生存困境，卻始終對中國電影的“多樣性”抱有堅定的信念。

△ 黑白線條勾勒出郝麗麗（聲音出演：周冬雨）與高紅（聲音出演：Papi）並肩坐在飛機模型上的身影，她們自然地面向鏡頭嘴角掛着從容的微笑，透過畫面也能感受到她們對遠方的嚮往和未來的期待

期間，楊城也在訪談中聊到了AI對於藝術創作的影響，他相信只有當創作者具備AI工具無法替代的能力，才能讓AI發揮最大的價值。

或許，正如《藝術學院 1994》中那些在迷茫中熾熱生長的年輕人，正好對應了楊城與他所投身的事業。

在藝術的自由與現實的約束之間，他依然堅持尋找着屬於中國藝術電影的可能性。

01 藝術的温度：理想主義從未過時

在楊城眼中，操盤一個電影項目始終是一門關於“關係”的藝術。

人與人的關係，人與事的關係，事與事的關係，都包含在內。

一般而言，如果把電影比作建築，那麼導演是建築師，製片人則是房產項目的操盤手。

導演負責構建藝術的藍圖，而製片人則需要在現實的土地上協調資源、把控節奏，最終讓夢想照進現實。

這種平衡藝術表達與商業邏輯的思維，貫穿了他與導演劉健合作的始終。

△ 導演劉健（左）、製片人楊城（右）

電影《藝術學院1994》的創作初衷，源自導演劉健回訪母校時的深切觸動。

三十年前那些活力四射的老師已白髮蒼蒼，校園風貌也全然不同，這種對時光流逝的複雜感受成為影片最原始的創作動力。

△ 《藝術學院 1994》帶你感受1994年文藝青年們的精神狀態

楊城回憶道：

導演站在熟悉又陌生的校園裏，突然意識到時間的殘酷和青春的百味雜陳。

這種源自生命體驗的創作衝動，讓影片超越了簡單的懷舊，轉而成為對藝術與青春的永恆追問。

同時1994年對於電影史來説，也是一個充滿紀念意義的年份。

**《肖申克的救贖》《阿甘正傳》《低俗小説》《活着》**等等現在排在各大電影榜單前幾名的高分電影，都是出自那一年。

所以，不管是藝術理想，還是電影本身，1994年都是一個值得被紀念的年份。

在楊城看來，藝術電影的價值正在於這種超越時空的情感共鳴，雖然故事背景設定在1994年，但角色們對藝術的執着、對未來的迷茫，與當下每一個敏感的靈魂都能產生共振。

這種對普世情感的關注，正是楊城選擇參與這部作品的核心原因。

值得一提的是，本片的片尾曲是崔健的《快讓我在這雪地上撒點野》，該歌曲收錄在崔健1991年發行的經典專輯《解決》中，是那個理想與迷茫共存年代的絕佳註腳。

歌曲從頭到尾都帶着股生猛的 “癲”，編曲新奇帶感，同時藏着最真的純粹感，剛好契合了影片裏藝術青年們的不安與躁動。

02 堅持手繪：五年磨一劍的創作旅程

《藝術學院1994》的製作過程堪稱一場“動畫的長征”。導演劉健堅持採用純手繪的創作方式，帶領中國美術學院師生團隊耗時五年完成。

△ 《藝術學院 1994》純手繪創作，歷時五年才完成

翻看導演的履歷，“手繪”一直是他的個人標籤。

從早期的**《刺痛我》，到2017年同樣入圍柏林電影節主競賽單元的《大世界》，再到如今的《藝術學院1994》**，劉健導演的風格依舊，品質如一。

△ 《刺痛我》《大世界》《藝術學院 1994》三部作品均是純手繪創作

楊城坦言，這種選擇在商業動畫盛行的當下極具挑戰性：

手繪意味着極高的時間成本和人力投入，但劉健導演相信，只有這種充滿温度的筆觸才能傳遞出他想要的質感。

創作初期，團隊面臨的最大難題是風格的統一性。劉健對畫面有着近乎苛刻的要求，甚至一根線條的弧度都要反覆推敲。

為了達到**“十人作畫，宛如一人”**的境界，團隊用了半年時間進行磨合，從色彩基調到人物動態，每一個細節都經過無數次調整。

△ 《藝術學院 1994》風格獨特

楊城回憶道：

那段時間，整個工作室就像一個精密運轉的齒輪，每個人都在為共同的美學目標而努力。

疫情的爆發讓本已艱難的製作雪上加霜。原計劃三年完成的項目，被迫延長至五年。

資金緊張的危機時刻，楊城展現出製片人的韌性，他們四處奔走尋求支持，整個劇組似乎下定了決心，這部電影值得全力以赴。

在最艱難的時刻，劉健導演並沒有因為客觀原因放棄影片硬件品質，而是逆流而上，仍然堅持不斷提高品質要求，升級製作水準。

這種對藝術的極致追求，最終成就了影片獨特的美學風格，既保留了國畫的寫意韻味，又融入了當代藝術的先鋒氣質。

△ 《藝術學院 1994》兼具寫意風與寫實風

在聲音創作層面，製片人楊城與導演劉健大膽突破傳統配音模式，邀請來自不同領域的創作者參與“聲音演出”，體現了藝術的自由度、包容度和豐富度。

△ 天台“整活”剪頭

雖然網上對全明星配音陣容的評價褒貶不一，但楊城堅持認為，這樣的決策並沒有形式大於內容，而是更好地服務了影片本身。

楊城説道：

當我第一次看完這部電影的畫面部分時，馬上感覺到這部電影其實是一個時代的羣像，講述的是一羣年輕的藝術家在成長十字路口的故事。

因此，在選擇配音陣容時，也希望體現出這種**“羣像感”****，而不是單一的聲音風格。**

自然就想到邀請不同領域的藝術家共同參與，會比較有意思。

△ 男廁所東倒西歪的藝術生，這是真“上頭”

另外，楊城還認為，本片與一般的動畫電影不同。

通常動畫電影中的配音角色往往是小動物、其他物體，或者是一些有特殊能力的角色等等，但本片中的角色都是現實生活中的普通人。

而且本片在人物塑造上比較有個性，情感表達也比較細膩。

因此，在一些角色的選擇上，需要更專業的演員通過他們的表演和聲音特質來塑造角色，而不僅僅是簡單的配音。

所以，楊城和導演最終確定了這樣的方向，花了很多時間去匹配合適的人選，並邀請他們參與創作。最終的效果確實令人驚喜。

△ 路邊排排坐喝牛奶，極具鬆弛感

當談到如何説服這些不同領域的藝術家能夠共同參與到影片的配音工作時，楊城的回答中略帶一絲驕傲：

首先，劉健導演本身已經是一位有一定基礎的導演，他的上一部電影《大世界》就受到了很多人的喜愛。

而且我們在這個行業裏也積累了很多朋友，很多配音演員要麼是我們直接認識的，要麼通過朋友也能聯繫到。

再加上當時處於疫情期間，整個中國電影行業面臨困境，大家反而更加團結，所以邀請他們參與這件事並沒有花費太多力氣。

只是因為疫情導致大家行動不便，而且我們需要聯繫的人又特別多，所以整個工作大概花了大半年時間才全部完成。

03 寄語未來：夾縫中依然有藝術的火種

作為多年深耕藝術電影領域的製片人，楊城對行業現狀有着清醒的認知。

他坦言，藝術電影的生存環境依然嚴峻：

市場更青睞強類型、快節奏、強刺激的商業片，藝術電影往往面臨排片少、觀眾認知度低的困境。

但他並不因此氣餒，反而從柏林電影節等國際平台看到希望：

當《藝術學院1994》在柏林放映時，不同文化背景的觀眾都能被故事打動，這説明藝術電影的價值是普世的。

在楊城看來，藝術電影的行業意義在於它可以“提供新的可能性”：

它既在藝術語言、風格形式上探索新的可能性，也提供理解時代、理解世界、理解人的新角度。

他特別提到，《藝術學院1994》對90年代藝術生態的呈現，不僅是對過去的致敬，更是對當下藝術教育的啓示：藝術的價值是什麼？藝術和時代、和個人的關係是什麼。

△ 小橋上談論“人生理想”的文藝青年

談及藝術電影的未來，楊城提出兩點展望：

首先，期待看到更加繁榮和健康的電影文化可以在中國電影的階段性低谷中生長出來，大家對電影的討論、交流可以有一個更真誠、真實、包容的氛圍，這是藝術電影的生存土壤；

也期待全世界好的藝術電影能更多的在中國上映，這樣才能把藝術電影觀眾羣培養起來，穩定壯大。

△ 草坪“躺平”愜意又自在

他還談到了最近大火的AI創作，他認為：

如果創作者本身不夠強大，那麼你最終也很難把工具使用好。

只有當創作者本身具備很高的能力，才能讓工具發揮更大的價值。

否則，隨着工具的普及和技術門檻的降低，所有人都可以用工具完成基本的操作。

以前大家可能都從零分開始，但現在，由於創作工具的普及和技術門檻的降低，大家的起點都提高到了60分。

這就要求你必須具備遠高於60分的創造性，才能在競爭中脱穎而出。

在本次採訪的最後，楊城真誠地祝福着現在仍然還在堅持創作的年輕藝術家們：

雖然我覺得不安全感是會伴隨着年輕的藝術家，但是同樣的，作為藝術家，可以更好地去面對那些不安全感，它就是生命體驗的一部分，也可以讓人保持敏鋭，遠離慣性。

所以像藝術這麼美好的東西，我們還是應該去享受創造它的一個過程。

在《藝術學院1994》的每一幀手繪畫面中，我們看到的不僅是1994年的青春剪影，也是一位製片人、一位動畫導演，對藝術電影的執着追求。

楊城和劉健用五年時間證明，在商業電影的夾縫中，依然努力做出了他們心中的電影。

這種堅持，或許就是中國藝術電影最寶貴的希望。