【藝評】薪火相傳處 梨園別樣紅——觀粵劇《帝女花》有感 | 聯合早報

當“落花滿天蔽月光”的熟悉旋律在劇院響起，兩位演員水袖輕揚的瞬間，我忽然意識到自己正在見證一場意味深長的文化傳承。本地粵劇界優秀演員何慧珍與吳冰兒攜手主演的全本粵劇《帝女花》，不僅是兩位新人的首次挑梁之作，更是一曲關於戲曲藝術在當代如何生生不息的動人詩篇。　

《帝女花》作為粵劇皇冠上的明珠，講述明末長平公主與周世顯在國破家亡之際的生死愛情。這出需要極高表演功力的經典大戲，對任何專業演員都是嚴峻考驗，而兩位非科班出身的愛好者竟敢挑戰全本，其勇氣已令人動容。更難得的是，她們不滿足於簡單模仿前人，而是和資深導演張莉、粵劇界知名老師凌東明一起從劇本打磨、音樂設計到服裝道具事必躬親，這種全方位參與創作的態度，恰恰暗合了傳統戲曲“一棵菜”的藝術精神——舞台上每個細節都需精心栽培，方能成就整體的和諧之美。

突破傳統舞台表演形式

導演張莉在把握整個戲的風格上，從開幕到尾聲，突破了傳統粵劇的演出舞台表演形式，特別是在第二場先帝面臨國破家亡，一個人內心的痛苦與掙扎。幕落時在音樂與燈光氣氛的烘托下，他仰望長天，面向觀眾一個急轉身，一步一步絕望地走向舞台深處的高平台上，仰望着蒼天（定格）。這一調度不僅展現了王朝覆滅與生命終結的悲愴，更彰顯了極強的戲劇張力。

吳冰兒飾演的長平公主，在“香夭”一場中展現出驚人的情感張力。當她身着嫁衣卻面臨生死訣別時，那雙含淚卻不墜的眼眸裏，既有皇室貴胄的傲骨，又有亂世女子的悽楚。何慧珍塑造的周世顯，則在“上表”一段以乾淨利落的官生做派，將文人風骨與兒女柔情拿捏得恰到好處。特別令人驚喜的是兩位演員的唱腔處理——在保留粵劇傳統韻味的同時，根據自身嗓音條件做了細膩調整，使“乙反”調式中的悲涼更添幾分當代人能夠共鳴的直白情感。不過，若能在戲曲的“字正腔圓”上更進一步，尤其是咬字吐音的精準度和氣息的穩定性上多加錘鍊，表演將更具感染力，更能展現粵劇唱腔的深厚底藴。

導演的調度顯然深諳“以簡馭繁”的東方美學。舞台上沒有奢華的佈景，僅憑燈籠、台階和欄杆的巧妙組合，就構建出從金鑾殿到荒郊野外的空間轉換。這種留白藝術反而為演員表演提供了更多可能——當長平公主的水袖在空蕩舞台上劃出孤絕的弧線時，那種“無處話淒涼”的意境比任何實景都更撼動人心。音樂設計上對傳統粵劇鑼鼓點的改良運用，既保留了戲曲節奏的筋骨，又減輕了現代觀眾可能不適應的嘈雜感。值得一提的是，導演在序幕和尾聲的處理上大膽創新，為經典注入了新的生命力。序幕以一段象徵性的舞蹈開場，暗示長平公主命運的悲劇性；尾聲則通過唯美的羣舞，燈光變化與音樂的餘韻，將人物的情感昇華至更高的境界，留給觀眾無盡的回味。這種突破性的手法不僅豐富了劇情層次，也使人物形象更加立體，令人耳目一新。  

團隊構成似“清明上河圖”

更值得深思的是這個製作團隊的構成，恰似一幅生動的“清明上河圖”：凌東明老師甘為綠葉託新蕊，其他演員、樂隊成員、後台工作人員，乃至跑龍套的演員，多是業餘戲曲愛好者。他們白天可能是辦公室職員、學校教師或家庭主婦，夜晚卻化身傳統文化的守護者。這種“民間性”的珍貴，在於它重現了戲曲最本真的模樣——不是供在博物館的琺琅彩，而是街頭巷尾口耳相傳的活態史詩。當演出手冊上以“謙卑之心，不吝賜教”的告白映入眼簾時，我突然懂得：正是這種帶着瑕疵的赤誠，才讓傳統有了觸手可温的質感。  

當代戲曲傳承面臨的最大困境，或許不是觀眾流失，而是機械複製式的“博物館保護”。今晚的演出給出了另一種可能——當愛好者們以創造者而非模仿者的身份參與其中，傳統便不再是玻璃櫃裏的標本，而成為可以對話、可以重塑的活態存在。何慧珍與吳冰兒的表演固然還有提升空間，但她們在“駙馬祭妻”雙人舞袖時那種心意相通的默契，在“庵遇”對唱時那種情感真摯的交流，已然超越了技術層面的評判標準。

離場時，聽到身後幾位年輕觀眾小聲哼唱“帝女花，芳名留世間”，忽然想起任劍輝、白雪仙等前輩藝術家當年也是從熱愛起步。六十載光陰流轉，《帝女花》從香港戲棚演到新加坡劇場，從專業院團傳到業餘戲班，其魅力或許正在於它永遠等待着被重新詮釋。今晚的舞台沒有大師光環，卻有薪火相傳的温暖；沒有商業製作的精緻，卻有發自肺腑的真誠。

在這個傳統文化日漸式微的時代，仍有這樣一羣人願意為一場演出傾注全部熱情，這本身就是對“帝女花”精神最好的續寫——藝術的生命力，終究不在於完美無瑕的保存，而在於代代人不求回報的熱愛與傳承。當大幕落下時，我看到的不只是一場成功的演出，更是一株在本地國土壤中頑強生長的藝術之花，它或許不夠豔麗奪目，卻自有其堅韌動人的生命力。  

（作者是戲曲工作者）